MODA Y ARTE

Para hablar de mí.
La apropiación que el arte hace de la moda para abordar el problema de la identidad de género

 

Valeria Stefanini Zavallo*

^(*) Licenciada en Historia y Teoria del Arte por la Universidad de Chile. Licenciada en Artes (UBA). Posgrado en Gestion y Administracion Cultural en Artes Visuales por la Universidad de Chile. Profesora en la Universidad de Palermo y en la Escuela Argentina de Fotografia (EAF).

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Resumen: Las artes plasticas contemporaneas recurren repetidamente a una estrategia de apropiacion de elementos y esteticas propias del mundo de la moda y belleza para trabajar problematicas referidas a la identidad. En la Argentina podemos investigar la obra de diversos autores, Nicola Costantino con sus trabajos performaticos, videos, su serie de peleteria humana, los vestidos habitados de Fabiana Barreda y sus trabajos en colaboracion con disenadores locales, o las intervenciones urbanas y espaciales de un movimiento como Colectiva Mujeres Publicas. Todas estas experiencias nos dan cuenta de distintas estrategias por medio de las cuales las artes plasticas hacen uso de las producciones de la industria de la moda y de sus modos de exhibicion para hablar de la mujer, su cuerpo, sus roles, sus deseos, su lugar en la sociedad contemporanea, y sus estrategias de realizacion.

Palabras claves: Arte; Belleza; El cuerpo; La pose; Moda.

Abstract: Le arti visive contemporanee utilizzano spesso una strategia di appropriazione di elementi estetici che appartengono al mondo della moda e della bellezza per lavorare su diverse problematiche che riguardano l'identita . In Argentina possiamo prendere in considerazione l'opera di vari autori: Nicola Costantino e i suoi lavori performativi, i suoi video, la sua serie di "pelletteria umana"; Fabiana Barreda e i suoi "abiti abitati" e le sue opere in collaborazione con i designers locali; o gli interventi urbanistici spaziali di un movimento denominato Collettivo Donne Pubbliche. Tutte queste esperienze evidenziano le diverse strategie attraverso le quali le arti visivi utilizzano le produzioni dell'industria della moda e delle sue modalita di esibizione per parlare delle donne, dei loro corpi, dei loro ruoli, dei loro desideri, del loro posto nella societa contemporanea, e delle loro strategie di realizzazione.

Parole chiave: Arte; Bellezza; Il corpo; L 'atteggiamento; Moda.

Summary: The contemporary art appeal repeatedly to a strategy of appropriation and aesthetic elements in today's world of fashion and beauty to work issues relating to identity. In Argentina we can investigate the work of various authors. Nicola Costantino, with their performative work, videos, his series of human fur, inhabited dresses by Fabiana Barreda and his works in collaboration with local designers, and urban and space interventions of the Public Women Collective Movement. All these experiences show different strategies through which art makes use not only of fashion industry productions but of this ways to speak about women, their bodies, their roles, their desires, their place in contemporary society, and their achievement strategies.

Keywords: Art; Art pose; Beauty; Body; Fashion.

Resumo: As artes plasticas contemporaneas percorrem repetidamente a uma estrategia de apropriacao de elementos e esteticas proprias do mundo da moda e beleza para trabalhar problematicas referidas a identidade. Na Argentina podemos pesquisar a obra de numerosos autores, Nicola Costantino com seus trabalhos performaticos, videos, sua serie de peleteria humana, os vestidos habitados de Fabiana Barreda e seus trabalhos em colaboracao com designers locais, ou as intervencoes urbanas e espaciais de um movimento como Coletiva Mulheres Publicas. Todas estas experiencias dao conta de diferentes estrategias por meio das quais as artes plasticas fazem uso das producoes da industria da moda e dos seus modos de exibicao para falar da mulher, seu corpo, seus roles, seus desejos, seu lugar na sociedade contemporanea, e suas estrategias de realizacao.

Palavras chave: Arte; Beleza; Corpo; Moda; Pose.

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Para empezar a hablar del tema

La relacion entre arte y moda si bien es reciente no es nueva en nuestro pais. Los movimientos locales vinculados al arte mas vanguardista nos fueron acostumbrando al cruce entre distintas disciplinas con el fin de ampliar (o romper) el tradicional y decimononico concepto de "bellas artes". Con este fin, las tecnicas, los materiales, los temas y los dispositivos sufrieron mutaciones antes impensadas y como en la creacion de un bestiario medieval surgieron las participaciones. La pintura, el diseno, la escultura, los medios de comunicacion, la moda, la fotografia, el diseno de interiores, la musica, el teatro, las ambientaciones, la ciencia y la tecnica; las estrategias de cooperacion fueron infinitas y todo pudo mezclarse y aparearse con todo y cada union gesto productos, obras y situaciones que son los antecedentes de los actuales trabajos que forman el corpus de esta investigacion.
En este trabajo nos proponemos rastrear algunas de las vinculaciones entre moda y arte en la obra de artistas contemporaneos argentinos. El material existente es inmenso, y el abordaje se centrara en un grupo de obras que elabora conceptos sobre la identidad femenina, tendientes a trabajar problematicas de genero.
Los artistas seleccionados para el analisis son Nicola Costantino, trabajos en colaboracion y muestras presentadas por artistas como Fabiana Barreda, Carolina Antoniadis y el Colectiva Mujeres Públicas. Las obras de estas artistas (y sus vinculos con otras obras y otros artistas nacionales y extranjeros) nos permiten establecer una division en grupos teniendo como eje el tratamiento de problematicas de genero, y su concepcion de la relacion existente entre la moda y la conformacion de determinadas notas del estereotipo femenino. En los casos analizados encontramos que hay, en todas las obras y acciones, una profunda reflexion acerca del concepto de moda y cual es su incidencia en la mujer contemporanea, como modifica sus roles, su visibilidad social, cual es el uso del cuerpo femenino, etc.
Creemos que todas estas interpretaciones, tan variadas entre si, que surgen desde el arte nos pueden servir para comprender un poco mejor el vinculo que existe en nuestra sociedad entre las diversas estrategias de exhibicion de los productos creados por la industria de la moda y la belleza, su consumo y la construccion de una imagen femenina, que se establece con una identidad similar a la del propio objeto de moda.
Entre todos estos artistas hay situaciones comunes, algunos han expuesto juntos, otros no, algunos manejan lenguajes con vinculaciones, otros no. QuizaS, de todos el que mas se aleja y se separa es el Colectiva Pública de Mujeres, que ya por su modo de trabajo grupal y sus intervenciones, y su concepcion particular del vinculo moda - mujer representan una arista bien definida y que responde a otros contactos y otros abordajes. La riqueza de las diferencias que percibimos y que vamos a desarrollar es lo que motiva este escrito.
Para los usos especificos de este trabajo cuando hablamos de la relacion que existe entre el arte y la moda, nos estamos refiriendo al vinculo que se establece en los productos u objetos que circulan a traves del circuito artistico y con sus codigos. Utilizaremos el concepto de moda de forma muy abarcativa, en un modo mucho mas amplio que su especifica definicion, ya que nos resulta util por su poder de sintesis y su capacidad de representacion visual. Moda seran, obviamente, los productos de diseno de indumentaria y accesorios, pero tambien los productos y creaciones vinculadas con el mundo de la belleza, su modo de exhibicion, difusion y comunicacion, las publicidades y las producciones de las revistas. Esto significa que estaremos hablando de una gran multiplicidad de piezas, como zapatos, vestidos, accesorios, peinados, maquillajes, producciones, fotografias, desfiles, instalaciones, afiches, ya que estos son los objetos problematizados por nuestro corpus de artistas.
Martin Harrison (1987) cuando pensaba en las categorias sobre las que trabaja especificamente la fotografia en la revista Vogue, incorpora el concepto de Beauty Photography, fotografias de belleza, un concepto mucho mas abarcativo que el de fotografias de moda y que sirve para definir las multiples fotos que podemos encontrar dentro de una revista de moda. Esta definicion, que facilita el acercamiento a la comprension de las fotografias vinculadas a las revistas de moda, nos permite empezar a pensar que el area de creacion en la que se gestan los productos que interesan para este trabajo es mucho mas amplia que el diseno de indumentaria en si.
Paralelamente "moda" es mucho mas que el universo de productos que se realizan, muestran e intercambian en torno o relacion a ella. Hablar de moda nos conduce a hablar del cuerpo, de la pose y de las relaciones que se establecen entre los cuerpos y las poses. Hablar de moda nos lleva a una concepcion del espacio y del tiempo social que se definen y se muestran en torno al uso del vestido, y de todo lo que este comunica. Andrea Saltzman trabaja todas las posibilidades de analisis que nos da la moda,

El vestido es habito y costumbre: es el primer espacio -la forma mas inmediata- que se habita, y es el factor que condiciona mas directamente al cuerpo en la postura, la gestualidad y la comunicacion e interpretacion de las sensaciones y el movimiento (Saltzman, 2009, p. 9).

El vestido regula los modos de vinculacion entre el cuerpo y el entorno, media entre cuerpo y contexto, entre lo publico y lo privado.
Estos modos de concebir la prenda, el diseno y la moda generan un aspecto interesante que se pone de manifiesto con la relacion que se ha establecido entre el mundo de la moda y el arte: los campos de estudio. La moda y las relaciones que se establecen entre el cuerpo, el vestido, la subjetividad, los roles sociales, la industria de la belleza, etc. han sido muy estudiadas desde el campo de la sociologia pero no asi desde la teoria del arte o desde la estetica. El vestido se estudia como condicionamiento del que lo porta y de sus acciones sociales, y en este caso los artistas con sus distintas apropiaciones del mundo de la moda senalan que este objeto de estudio es apto para mas disciplinas que la sociologia.

Había una vez...

Existe un vinculo entre el arte y la moda que en la Argentina puede rastrearse a partir de los anos ´60, momento en que el pop desembarco en Buenos Aires y muchos artistas jovenes trabajaron y expusieron en el Instituto Torcuato Di Tella (ITDT). Este fue un espacio institucional que los cobijo y nucleo durante los breves anos de su existencia hasta su cierre en 1970. Este periodo sento las bases para un trabajo en colaboracion, donde el arte se involucra en el diseno, las obras de arte se equiparan a los objetos, y los materiales se usan sin distincion ni especificidad aparente.
Si bien este trabajo aborda la produccion contemporanea aparecida en estos ultimos anos, no puede obviarse la profunda deuda que la moda y el arte tienen con estos artistas, y con el Instituto Di Tella.
Un referente inmediato es Delia Cancela que, sola o en dupla con Pablo Mesejean, empezo a trabajar los vinculos entre la moda y el arte cuando nuestra sociedad todavia no sabia de estas miradas transversales. El diseno se transformo en un objeto artistico por un acto de voluntad del artista al darle esa denominacion y situarlo en el contexto del Instituto que se erigio como el lugar desde el cual provenia el aval y apoyo de toda creacion nueva.
Cancela - Mesejean trabajaban tanto para una produccion de la revista Vogue o Harper´s Bazaar, para su marca de indumentaria que funciono hasta los anos ´80, en vestuario de teatro y espectaculos o para las instalaciones que generaban en el Instituto Di Tella.
La instalacion del ano 1964, Love and Life en la que se unian pintura, musica, performance y un profundo trabajo de escenografia y vestuario, este ultimo que involucraba a mujeres jóvenes -que simulando ser azafatas- circulaban por el espacio de la muestra especialmente vestidas y al espectador que debia utilizar unos anteojos decorados con flores y vidrios de colores que eran distribuidos en la entrada. La obra incluia enormes pinturas de la modelo inglesa Jeanne Shrimpton, conocida popularmente en la epoca, vestida de astronauta, modelo que fue el tema de la instalacion de Dalila Puzzovio en el Premio Di Tella 65 y que en 1966 fue el tema del envio a la III Bienal Interamericana de Arte en Cordoba en la obra Jeanne Shrimpton y nube de Cancela - Mesejean. El arte se apropia de figuras populares para establecer una conexion con un espectador cada vez mas numeroso y variado, en este caso los artistas apuntan a un publico diferente que el que tradicionalmente visita en Buenos Aires las galerias, y manejan conceptos ampliados de produccion y de distribucion artistica.
En 1967 Dalila Puzzovio presento la obra Doble Plataforma y obtuvo el Segundo Premio del Premio Internacional del ITDT. Maria Jose Herrera en el catalogo de la muestra sobre el Pop realizada en 2010 en la Fundacion OSDE nos cuenta como fue el sistema de produccion de la obra:

La artista diseno los zapatos y se los ofrecio producir y comercializar a la tradicional zapateria Grimoldi. Salieron a la venta el mismo dia de la inauguracion y permanecieron en las vidrieras contrastando con los modelos tradicionales de la epoca, generalmente marrones. Puzzovio utilizo los mecanismos de produccion de la empresa y se valio de ellos para producir este objeto artistico masivo. La instalacion comenzaba en el Di Tella, donde estaba instalada la obra, y continuaba en la calle en cada una de las vidrieras de las sucursales de la zapateria. (Herrera en Fundacion OSDE, 2010, p. 7)

La vinculacion que este trabajo establece con el arte la da la propia condicion de imposibilidad de las piezas, ya que pese a todo el sistema de produccion y comercializacion de los zapatos, vinculado al mundo de los objetos de consumo, estas piezas no pueden usarse. Estan sometidas al consumo estetico que si es propio exclusivamente del arte.
La utilizacion de nuevos cruces entre arte y diseno expande el alcance del arte al publico masivo y le permite tomar espacios moviles de manera simultanea. La obra unica, bastion de un arte asociado al poder y al consumo, desaparece y la experiencia artistica resulta vivenciada por todos los participantes. El vinculo con la moda gira en torno a estas concepciones nuevas del arte y de su relacion con el publico y la sociedad.
La moda es ese terreno en el que todos de un modo u otro, conscientemente o no estamos inmersos. Utilizar la moda como tema, recurso o material de trabajo permite hablar un lenguaje mas vinculado a las vivencias cotidianas, permite crear "un arte en uso": el espectador de Cancela - Mesejean participa creando el hecho artistico por llevar los anteojos ofrecidos a la entrada, la obra de arte se mueve y muta al ritmo de la concurrencia.
En 1970 Eduardo Costa revisando las teorias de Barthes sobre el Sistema de la Moda creo Una moda (relato), que fue la ficcionalizacion de una produccion de modas para una revista de moda. Todo este montaje recrea el estilo de las fotografias y de los textos de una revista de moda, para elaborar la relacion y condicionamiento que existe entre el producto (la foto) y el contexto de exhibicion (la revista de modas).
Transformar la obra de arte en una efimera vivencia, en un producto de distribucion masiva como una revista o en un zapato son intensiones con raices similares, desmitificar el concepto de obra de arte concebido desde miradas tradicionales y academicas.
Tomas Eloy Martinez (2007) en un articulo que recoge el prologo para el libro El Di Tella, cuenta su cercana experiencia al Instituto y al arte de vanguardia y senala impresiones que diversos miembros de la cultura y la politica establecidas manifestaron en torno al fenomeno de un arte que ni siquiera podian reconocer como tal:
Victoria Ocampo reseno con aristocratico asombro el fenomeno del Di Tella: "Al mismo tiempo que se exhiben aqui muestras plasticas escandalosas, el vulgo, hecho insolito, compra las obras de Cortazar (tan luego Cortazar) y se pasea con sus libros en Torino o en subte o en colectivo" (Sur, julio-agosto 1970)¹. Y a su vez Crónica, un tabloide popular, comento el 20 de diciembre de 1969: "La policia detiene a catorce extranos de pelo largo que pretendian asistir a un peligroso recital de rock" (Crónica, 1969).

Una señorita que sepa coser...

El arte elabora la problematica relacion entre cuerpo y moda, cuerpo y consumo, cuerpo y belleza generando elementos que nos permiten pensar y aproximarnos a este tema. Desde el arte se comprendio que la moda es una problematica que lo involucra mucho antes que desde la teoria.
La obra de la artista rosarina Nicola Costantino nos aporta muchos elementos para la construccion de un analisis. Costantino produjo algunos trabajos que abordan las relaciones entre arte y moda de una manera propia, de los que vamos a analizar los siguientes: Peletería Humana, Savon de corps, y dos videos, Makeup y la muestra Tráiler, que abordan la problematica de los roles femeninos, de la creacion de un doble y su contenido siniestro y estremecedor, la belleza como concepto estereotipado y la realizacion minuciosa de la costura y la confeccion.
La obra Peletería Humana, fue presentada en la Bienal de San Pablo en 1998 que tenia como tema central "antropofagia y canibalismo", la obra estuvo tambien en la Bienal de Liverpool donde fue vista por Jeffrey Deitch quien la invito a exponer en su galeria del Soho en septiembre de 2000 cuando la galeria neoyorquina se transformo en una boutique de exclusiva ropa de diseno. Todo el montaje, la iluminacion, y las piezas buscaban generar en el espectador o en el transeunte desprevenido la confusion de espacios, roles y de situaciones.
La obra consiste en piezas de vestimenta y accesorios realizados con un material sintetico, latex, que simula ser piel humana, con las marcas de los pezones y/o anos como referencia ineludible de pertenencia. Con este material carteras, corsets, zapatos, abrigos, vestidos visten a maniquies simulando aparadores y vistosas vidrieras de negocios vinculados con la moda y la alta costura. El material enfatiza los vinculos entre cuerpo y moda y las problematicas que atraviesan esta relacion. Como comprender esta cita de Andrea Saltzman (2009) si en Peletería Humana el vestido es el mismo cuerpo o lo simula:

El vestido cubre y descubre al cuerpo, insinuando, acentuando u ocultando sus formas. Delimita su posibilidad de movimiento incluso en los gestos requeridos para entrar y salir de la ropa. Crea una nueva piel, que asi como califica al cuerpo, lo habilita o inhabilita para adaptarse a las diferentes circunstancias y condiciones del medio ambiente. Por todo esto el vestido puede ser experimentado como lastre o teatralidad, como proteccion, impedimento, armadura o levedad (Saltzman, 2009, p. 10).

No podemos comprender estas piezas con ninguno de los parametros y categorias mediante las cuales comprendemos ni el arte ni la moda y ese es el interes del juego. La seccion de prensa de la pagina de Nicola Costantino nos permite leer algunos de los articulos realizados por criticos e investigadores y es curioso observar como se repiten los adjetivos: "refinada" y "revulsiva". Efectivamente las piezas se nos presentan en toda la belleza de su confeccion. La artista nos revela que pertenece a una familia vinculada al oficio de la costura, y ese conocimiento artesanal, preocupado por el detalle minimo, se revela en cada prenda que se exhibe frente al espectador perfectamente terminada. Las texturas, acabados, el corte y el diseno ponen en evidencia la prolijidad de la factura, ponen en evidencia los modos de realizacion vinculados con lo artesanal y con el diseno que irrumpen en el ambito del arte por su limitacion de ser usados.
Este es el caracter refinado y al mismo tiempo revulsivo de la obra, la terminacion perfectamente realizada nos atrae mientras que la superficie del material senalada por marcas oscuras que representan anos o tetillas nos repelen.
De este modo Nicola Costantino se separa de otros trabajos que abordan los mismos problemas, como por ejemplo las obras del artista y disenador frances Olivier Goulet que tambien trabaja con un material sintetico que el denomina skinbag para la creacion de prendas, bolsas, mascaras o mantas que como otra piel los modelos que participan de las obras se ponen o sacan. El mismo artista define su vinculacion con el mundo de la moda: "El mundo de la moda es quiza mucho mas estimulante y radical que el arte moderno. (...) Por eso lo elijo para intentar definir al hombre de manana". Pero en estas bolsas de piel no hay ningun refinamiento, nos remiten a la violencia de la carne cortada, de la herida, de la cicatriz que se transforma en cierre. Esta piel que los modelos se colocan es ajena al vestido, no calza, no se adhiere al cuerpo como en el trabajo de Costantino y en esto radica su diferencia fundamental. El trabajo de Goulet no lleva en si la condicion de "refinado" sino solo la de "revulsivo". En el espacio que se encuentra entre lo bello y lo siniestro se inscribe la obra de Nicola Costantino. La movilizacion que la obra genera se instala en un contenido que podriamos interpretar con la frase que nos propone Andrea Saltzman: "El diseno de indumentaria es esencialmente un rediseno del cuerpo" (Saltzman, 2009, p. 10). Por supuesto que la obra Peletería remite necesariamente a un uso del cuerpo, al uso que le da el arte, la moda, el diseno... la sociedad en general. Sobrevuela la pregunta, .cual es el rol del cuerpo humano? .De que cuerpo se extrajeron esas pieles? .Que cuerpos van a usarlas? Toda la sociedad se organiza en la respuesta a esas preguntas. El cuerpo es tambien el tema de la muestra Savon de corps, en la que luego de realizarse una liposuccion la artista confecciono jabones que llevan en su materia prima un 3% de la grasa que la operacion extrajo de su cuerpo. El jabon esta suavemente perfumado y tiene la forma de una espalda femenina, voluptuoso y delicado en sus volumenes.
La instalacion que se realizo en 2004 en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) remite directamente al lanzamiento de un producto de alta gama, un evento con personalidades famosas, afiches, un modo de exhibir la obra/producto y una publicidad en la que una bella modelo/artista invita al espectador/consumidor a "banarse con ella" y entra a una piscina, utilizando todos los cliches que caracterizan a las publicidades de productos de belleza (perfumes, cremas, maquillaje, etc.), el tono de la voz en off que describe el producto, la musica suave y sensual, el difuminado e irreal ambiente. Artista y obra se funden; cuerpo y arte se funden en funcion de los estereotipos establecidos por la industria de la belleza, la moda y la publicidad.
Mas alla del ambiente de refinado elitismo en el que se presento la instalacion se comprende claramente el contenido siniestro de la obra que remite al cuerpo exterminado en un campo de concentracion nazi, al cuerpo torturado y mutilado y a las exigencias del mundo de la moda y la publicidad que trabajan con un estereotipo de belleza femenino cada vez mas distante del cuerpo cotidiano y nos devuelven una imagen fabricada de modelos intervenidos por la industria cosmetica y medica.
El cuerpo de la artista es materia prima de la obra y del producto. La utilizacion de las cirugias esteticas en el mundo del arte y la problematizacion que los conceptos de esta creacion de belleza contemporanea generan en el cuerpo nos remite por necesidad a la obra de la artista francesa Orlan, que utiliza su cuerpo como material y posibilidad de concrecion de la obra de arte. Aqui encontramos la misma relacion que con la obra de Goulet, la obra de Orlan se vincula con la de Costantino desde su cualidad mas "revulsiva" pero no desde su cualidad "refinada", que en esta instalacion se pone totalmente de manifiesto de una forma casi irritantemente consistente, muy similar a esas insolitas publicidades de perfumes que para hablar de fragancias recurren a un conjunto de elementos ilusorios y etereos, que se repiten en una y otra firma casi de igual manera. Por ultimo puede ser interesante para comprender la obra de Costantino analizar dos videos: Makeup y Trailer.
Makeup es un video que dura 12 minutos presentado en ArteBA en los que la artista sentada frente a un vestidor se arregla, se peina y se maquilla, prolijamente desarma el peinado y limpia el maquillaje, para luego volver a comenzar con otro peinado y otro maquillaje que la transforma en otra. Este look tambien sera limpiado ni bien termina de crearse. Delicadamente, con amor en cada uno de sus movimientos, vuelve a crearse otra y todo sera nuevamente desarmado para volver a empezar. La artista desarrolla todo con la seriedad de un ritual religioso, necesario y cotidiano, la mujer que se arregla y limpia obsesiva y compulsivamente no cuestiona el acto, lo realiza metodicamente mirando de manera fija y penetrante al espectador.
Esa mirada le devuelve a la mujer/espectadora el absurdo de una actividad para muchas cotidiana y le devuelve al hombre/espectador lo siniestro de ciertas expectativas masculinas que no contemplan el proceso que implica para la mujer ser bella. La artista utiliza distintos elementos, productos e instrumentos para la construccion de cada una de sus imagenes, cepillos, peines, ganchos, planchitas, tenebrosos rizadores y curva pestanas, colores diversos, recurre a una variedad inusitada de elementos para obtener cada una de las imagenes buscadas.
La belleza es una realidad creada por medio de rituales dolorosos, tediosos y lentos que acompanan la vida femenina.  
Trailer es una instalacion concebida para un espacio en particular, la Fundacion YPF, en donde aprovechando el tamano del lugar se distribuyeron casas rodantes (trailers), carteles imitando a los que anuncian estrenos de peliculas y se presento el trailer cinematografico.
Trailer es el avance de una pelicula inexistente que narra la historia de la artista desde el momento en que constata su maternidad compartiendo con todos nosotros el resultado de un analisis casero y en consecuencia decide crearse una companera con quien compartir un momento tan significativo en la vida y el trabajo que eso implica. Toma moldes de su cuerpo para construir otra version de si misma y la realiza con un delicado amor y dedicacion, pinta la piel, los ojos, las unas, coloca las pestanas una a una, confecciona su ropa. Dentro de todos los posibles usos del cuerpo que plantea la obra de la artista, la creacion de un cuerpo nuevo en relacion literal al cuerpo propio es la mas radical, y las consecuencias seran las mas radicales tambien. La otra se conforma al ritmo en que el embarazo se desarrolla, la otra crece al mismo ritmo que la panza de la artista. El final se anuncia en los gestos de desagrado que la artista explicita cansada de la mirada de la otra, hecha a su imagen y semejanza pero en la que la ausencia de vida genera una expresion extrana y distante, carente de inteligencia. El final se anuncia en un titulo que se recorta en letras rojas sobre un fondo negro para anunciar que El doble es lo Ominoso, y las imagenes que lo captan lo devuelven siniestro. La narracion de la historia en relacion a un trailer de una pelicula habilita la sintesis, y permite contar la historia brevemente. La edicion y las imagenes nos hablan de una pieza mas larga de la que esta es su resumen.
En esta obra el cuerpo es creacion consciente en manos de la artista que como un demiurgo interesado en acomodarse la propia vida lo realiza a su imagen y semejanza. El analisis de estas obras nos permite acercarnos a la obra de una artista que ha concebido un modo de representacion del cuerpo para abordar la problematica femenina en su rol social, y este cuestionamiento se hace utilizando modos de realizacion tradicionalmente vinculados a lo femenino. La delicadeza en el tratamiento de la imagen, la utilizacion de recursos como la costura o el maquillaje se vinculan socialmente con lo femenino y desde ahi se opera la confrontacion, la violencia en la expectativa del espectador que se acerca a la obra percibiendo otra cosa que se revela distinta al acercarnos.

Una señorita que sepa jugar...

Es interesante pensar en algunas de las obras que ha producido el trabajo en colaboracion entre artistas y disenadores de indumentaria. En los casos analizados observamos que mantienen una intencion comun en todas sus creaciones: se aborda la indumentaria como obra de arte, o es el disparador de una creacion artistica.
Como lo expresa la artista Fabiana Barreda en su texto Embalajes para el cuerpo:

Y a esta extensa, riquisima e inacabada lista de artistas se suman a su propuesta los disenadores-artistas que en el efimero y brillantemente fugaz lapso de un desfile de moda proponen tambien una posible Poética del Cuerpo, confrontando una alternativa critica frente a los aplastantes mandatos estetico-politicos construidos por la moda a traves de los medios de comunicacion (www.fabianabarreda.com).

De estos trabajos en cooperacion encontramos muchos ejemplos, en el 2012 el BAF Week se dedico especificamente a la relacion entre arte y moda y desfiles y conferencias, intervenciones y disenos abordaron esta posibilidad.
En diciembre de 2009 el disenador Ricky Sarkany convoco a un grupo de artistas para la realizacion de una exposicion de zapatos, Moda y Arte para la Fundación Favaloro. Participaron artistas argentinos contemporaneos como Carolina Antoniadis, Karina Al Azem, Edgardo Gimenez, Marta Minujin, Cynthia Cohen y Dalila Puzzovio.
El diseno convoca al arte para visibilizar algo que tiene que ver con el lugar jerarquico que ocupa en la sociedad; no le alcanza con la venta del producto en si (que la constituye) y por medio de estas acciones tiende a la trascendencia. El diseno es consciente de la labor efimera que realiza, Ricky Sarkany sabe que sus clientas descartaran prontamente los zapatos comprados, lo sabe, lo promueve y lo necesita. Pero los zapatos realizados por los artistas, por su imposibilidad de uso, no seran descartados al cambio de la temporada.
La exhibicion nos muestra zapatos inutiles para desplazarse y que enfatizan su condicion estatica.
Son estaticos por sus formas, sus materiales y por que cada artista presento solo uno, el izquierdo o el derecho. Los artistas jugaron con materiales y el zapato fue un disparador y anclaje al mismo tiempo: es el hilo conductor que unifica cada estetica. Imposible no recordar a Dalila Puzzovio y la Doble Plataforma, que con colores estridentes desentonaba en el medio de una vidriera tradicional de los anos ´60. Pero el tiempo ha pasado y estos zapatos de espiritu tan similar tienen otros alcances, no se pone la obra en circulacion en un ambito masivo, sino que opera la estrategia contraria, el zapato de la galeria refuerza su exclusividad.
El juego, el disfrute, una aproximacion ludica a la relacion arte-moda, moda-mujer son percibidos en estas realizaciones. Zapatos como armas doradas de seduccion con tacos hechos de una lujosa pistola, zapatos de cristal para princesas, zapatos con alas, de colores, zapatos sonados. En ningun caso hay un cuestionamiento alrededor de lo que implica para la mujer, para su cuerpo y para sus posibilidades de movimiento el vivir sobre un taco aguja de 10 cm.
El BAF Week 2012 genero una estrategia interesante: el trabajo en conjunto. Por la pasarela circularon modelos vestidas con disenos creados en colaboracion por artistas y disenadores. Las duplas se conformaron de la siguiente manera: Martin Churba y Nicola Costantino, Cora Groppo y Fabiana Barreda, Jessica Trosman y Leandro Erlich, Valeria Pesqueira y Luna Paiva, Garza Lobos y Lorena Ventimiglia, Vicki Otero y Rocio Coppola, y 12-NA y Danidan. Fue un juego divertido, un desborde de creatividad compartida, trajes magicos, imposibles, que remiten a la historia, a la tecnica, al pasado y al futuro, a la ciencia ficcion. Vestidos que nunca mas seran usados y que estan ajenos al circuito comercial que condiciona al diseno, y por eso mismo permitio jugar con mas libertad a todos los participantes.
Lo curioso fueron los resultados. La artista plastica Fabiana Barreda y la disenadora Cora Droppo presentaron a una escualida modelo paseando con un ajustadisimo y diminuto vestido adornado con placas de acrilico y leds, el brillante vestido incluia una esfera luminosa que la modelo debia llevar en sus manos y anulaba cualquier gesto o movimiento. El acrilico formaba aristas verdes, puntas, bordes afilados. Pero nada de eso constituyo una critica que elabore los vinculos entre el uso social del vestido y el condicionamiento del cuerpo femenino.

Madama Morte

Esta plagado de mujeres. Asi comienza Eugenia Tarzibachi su articulo para Pagina/12. La realidad apoya esta apreciacion, vemos mujeres por todos lados, mujeres inmensas, posan, se muestran desnudas, vestidas, a medias, la publicidad es mujer, y la imagen de la mujer se usa para vender toda clase de productos, las mujeres se ofrecen desde miles de carteles incitandonos a algo, a cualquier cosa.
Es desde la intervencion de esas obras que abundan en el espacio publico desde donde se organiza la obra del Colectiva Mujeres Públicas, un movimiento feminista que comenzo a funcionar en 2003, formado por tres mujeres que decidieron no firmar sus obras, no colocar un nombre que funcione como rotulo y denominacion, sino dejar las obras/intervenciones de forma anonima. No se sabe quien habla por lo tanto hablamos todas.
El blog del grupo nos senala el fundamento de su creacion: "La Colectiva ha sido concebida como un espacio abierto y horizontal de reflexion, critica e intervencion social feminista. Las feministas de esta colectiva trabajamos por una vida digna, autonoma, placentera y en libertad para todos y todas". Un objetivo de mucho vuelo da inicio a una serie de acciones que unen el stencil, el diseno de afiches, la accion politica, talleres, charlas, cooperaciones, etc. En este caso la intervencion urbana, la intervencion del espacio publico, tiene un sentido de apropiacion que permite dar visibilidad a problematicas que tradicionalmente se generan en el ambito privado y no logran salir de este. Nuevamente la voz del colectiva explica el uso del sentido "publica":

Tanto asi, que tradicionalmente "mujer publica" ha sido un eufemismo para llamar a las prostitutas. O sea, si la mujer sale de la casa, es para vender su cuerpo... En cambio, un "hombre publico" es el politico, el que toma decisiones que conciernen a toda la sociedad.

Durante 2003 y 2004 se desarrollo la accion Esa Belleza..., en la cual el colectiva intervenia afiches y carteles publicitarios pintando con la tecnica del stencil las siguientes frases: "Esta belleza... mata", "Esta belleza... lastima", "discrimina", "miente", "enferma", "duele", "oprime", "cosifica", "condiciona", "subestima", "reprime", "controla", "castiga", "deforma". Estas intervenciones ponen en evidencia como los productos de la industria de la moda y la belleza condicionan a la mujer, su cuerpo y su posibilidad de ser feliz y desarrollarse, cual es el uso que la publicidad hace del cuerpo femenino y cual es el estereotipo que se muestra como condicion de exclusividad generando por repeticion una imagen unica de cuerpo posible que no se condice en lo mas minimo con el cuerpo real.
Dorothy Schefer Faux (2006) en la introduccion del libro La Belleza del Siglo elabora cuales son los condicionamientos que plantea en la modernidad el concepto de belleza y por consiguiente el concepto de mujer y su relacion con la moda:  

En todas las epocas, la moda ha impuesto su estilo a la belleza, y viceversa. En la actualidad, las revistas de alta costura presentan una version de la belleza escandalosamente rica, delgada e inaccesible a la mayoria de las mujeres. Con todo, a ellas les siguen gustando la dignidad y el ideal que transmite. Esta imagen se desarrollo a finales de los anos cuarenta y a principios de los cincuenta, en la epoca en que Richard Avedon e Irving Penn realizaban las fotografias estilizadas y extraordinariamente elegantes del new look de Dior (Schefer Faux, 2006, p. 14).

Podemos rastrear desde la Edad Media occidental un uso de la moda y de la imagen femenina que relaciona un contenido estetico con un contenido etico. La imagen femenina debe ser consecuente con atributos morales valorables (atributos morales cristianos) que durante siglos se vincularon con conceptos relacionados con la pureza, la virginidad, la devocion maternal, el amor familiar, etc. reproduciendo el "vestuario" de la Virgen Maria para asumir publicamente el rol de ser mujer.
El vestido y todos los adornos posibles acompanaron esta concepcion de una mujer que se limitaba a la esfera domestica, necesitaba poca movilidad y mucha ayuda, y se valoraba estetica y eticamente por su aspecto fisico y no por sus capacidades.
Ser mujer implica la ropa, los accesorios, el uso o no de maquillaje que tienen que ver con toda la problematica social de cada epoca y por sobre todo refleja el lugar de la mujer en cada momento, y cual es el juicio de valor que genera en quien la mira. La historia muestra como la belleza y la capacidad de cada mujer por "crearse belleza" en su propio cuerpo generara la condicion de exito y valoracion social que definen la condicion de cada una, establecen su valor, sus roles sociales o la misma movilidad social. En la mujer la belleza es una "herramienta de trabajo" que corresponde al propio oficio de ser mujer. Pero la intervencion de Colectiva Mujeres Públicas no se limita a elaborar la problematica entre cuerpo y moda o mujer y moda sino que ahonda en los modos de comercializacion de los productos y el uso que se hace del cuerpo femenino como "gancho de venta", o la reproduccion de estereotipos femeninos inexistentes (por obra del maquillaje, del Photoshop, o de la cirugia). El stencil es una marca que senala que eso que esta alli no existe realmente y si existe no se obtiene sin sufrimiento y no es neutro sino que implica una discriminacion y desvalorizacion del genero femenino.
Una vez concretado el objetivo de intervenir el espacio publico, el Colectiva envio mails y posteriormente se imprimieron calcomanias con el fin de pegarlas en distintos productos de supermercados. Son distintas estrategias que permiten visibilizar un problema que atraviesa al cuerpo femenino en relacion al uso que hace de el la moda y la publicidad.
La otra obra que analizaremos es el Museo de la Tortura. Ya su nombre nos remite a una institucion que historicamente ha generado un vinculo jerarquico y condicionador de las obras que cobija. El museo es el que denomina, es el que nombra y define el objeto de arte, institucionaliza las piezas que lo conforman y las jerarquiza.
En este museo se reunen objetos cotidianos del "mundo femenino", todos los que sirven para su presentacion publica, los elementos, instrumentos y accesorios que usamos para arreglarnos y emerger del ambito privado al pubico. Encontramos bucleras, planchitas, rizadores de pestanas, maquillaje, tinturas, pinturas, pinzas de depilar, pinzas para el cabello, cera depilatoria, y un largo etcetera...
 Nuevamente la voz del Colectiva nos ayuda a comprender la obra cuando nos explica que:

Es en el texto que acompana a cada objeto donde se hace visible la tortura. Maquinarias rosadas que en casa parecian inofensivas, develan aqui sus fines ultimos, reales: subyace detras de cada aparato expuesto un fin normalizador. Quiza, lo mas llamativo de este museo es que en el no encontramos instrumentos extranos, de aspecto medieval, sino cosas que llevamos en la cartera o tenemos en el bano.

La antropologa Barbara Guerschman comenta en la revista Myriades 1 que "la moda era una forma de tortura legalizada" (Guerschman en Myriades, p. 20). El vestido, el peinado, el maquillaje, los gestos y movimientos que las sociedades de cada epoca esperan de la mujer son ritos lo suficientemente complejos como para ocupar tiempo, energia, dinero y dedicacion en tal magnitud que inhabilitan las posibilidades de desarrollo de otros ambitos.
En este caso Colectiva retoma el tema de la obra de Costantino, Makeup, con respecto a la complejidad de la creacion de la belleza. Pero lo hace desde un lugar totalmente diferente: ya desde el nombre el Museo de la Tortura nos remite a la violencia que esas herramientas e instrumentos ejercen sobre nuestro cuerpo. La obra de Costantino es mas sutil, la critica es mas velada, casi imperceptible. Del video queda un malestar que se transforma en mensaje solo por intermedio de la reflexion. El Museo genera un mensaje contundente, nos predispone a encontrar alli piezas de alto contenido negativo y todo lo que esta en ese ambito a partir de ese momento sera visto como una agresion al cuerpo femenino.
En este sentido el Museo de la Tortura tiene un caracter fundacional ya que crea una situacion de malestar con respecto a aquellas cosas que por ser muy cotidianas pasaban desapercibidas a la critica. Siguiendo los pasos de Giacomo Leopardi podemos relacionar a la moda con la muerte, por el caracter efimero que la constituye y por su vinculacion agresiva con el cuerpo. En 1824 escribe sus Poemas Morales en los que relaciona a la moda con su hermana Madame Morte:

Yo persuado y obligo a todos los hombres gentiles a soportar cada dia mil esfuerzos e incomodidades y a menudo dolores y sufrimientos; y a alguno a morir gloriosamente por el amor que me profesa.

Yo me conformo generalmente con la barba, el cabello, los vestidos... y no me privo de realizar numerosos juegos comparables a los tuyos, corno verbigracia perforar orejas, labios o narices y danarlos con las naderias que cuelgo de sus orificios, abrasar las carnes de los hombres a los que obliga a practicarse tatuajes por motivos de belleza, deformar las cabezas de los ninos con vendajes y otros ingenios... deformar a la gente con calzados demasiado estrechos, dejarlos sin respiracion y hacer que los ojos se les salten por la estrechez de los corses y cien cosas mas de esta naturaleza (Leopardi en Giorgi, 2006).²

Notas

¹ Victoria Ocampo es un referente de la cultura nacional. Escritora e intelectual de principios de siglo acompano las vanguardias desde la mirada del intelectual con fuertes conexiones europeizantes.

² Poema citado por Giorgi, Arianna (2006).

Bibliografía

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Recursos Electrónicos

Barreda, F. Disponible en www.fabianabarreda.com

Costantino, N. Disponible en www.nicolacostantino.com.ar

Giorgi, A. (2006). Artísticamente Moda. Revista electronica de estudios filologicos. Universidad de Murcia. Numero 12 (Revista en linea). Disponible en: http://www.um.es/tonosdigital/znum12/secciones/Moda.htm

Revista G7. Disponible en http://www.revistag7.com/el-elegido/cuerpos-violentos/ (Recuperado 16 de noviembre de 2011).

www.mujerespublicas.com.ar

 

Fecha de recepcion: marzo 2012
Fecha de aceptacion: junio 2012
Version final: junio 2013