MODA Y ARTE

El arte en el proceso creativo de la moda: algunas consideraciones a partir de un caso de estudio

 

Elisa Tosi Brandi *

^(*) Historiadora del vestuario y de la moda y profesora de la Universita di Bologna, en la sede de Rimini. Se ocupa de los oficios y los objetos de la moda de la Edad Media hasta la actualidad, prestando especial interes a los archivos historicos de las empresas del sector.

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Resumen: En los ultimos 30 anos los disenadores y creadores italianos han hecho uso del arte experimentando combinaciones y citas de obras de arte pertenecientes a diferentes periodos y epocas. Esto no es nada nuevo en la historia de la moda. Hace mas de un siglo, a inicios del siglo XX, la sastre Rosa Genoni gano un premio en la Exposicion de Milan, proponiendo vestidos inspirados en las obras de Pisanello y Botticelli como buen ejemplo y excelente bandera de una nueva moda italiana. Durante las ultimas decadas, numerosos son los usos del arte en el diseno de ropa, mas o menos conscientes, mas o menos explicitos. En este trabajo se analizaran estos ultimos a partir de algunos casos de estudio, Alberta Ferretti y Franco Moschino, pertenecientes al grupo AEFFE, con el fin de examinar el papel del arte en el proceso creativo en la moda italiana.

Palabras clave: Arte; Citas; Creadores; Diseñadores; Moda; Proceso creativo.

Abstract: Negli ultimi 30 anni stilisti e creatori italiani hanno fatto uso dell'arte sperimentando accostamenti e citazioni di opere artistiche appartenenti a diverse stagioni ed epoche. Cio non rappresenta una novita nella storia della moda. Piu di un secolo fa, agli inizi del Novecento, la sarta Rosa Genoni vinse un premio all'Esposizione di Milano proponendo abiti ispirati ad opere di Pisanello e di Botticelli quale mirabile esempio ed eccellente bandiera di una nuova moda italiana; in seguito ci furono altri casi. Negli ultimi decenni numerosi paiono essere gli usi dell'arte nell'ideazione dei capi di abbigliamento, piu o meno consapevoli, piu o meno espliciti. Questo contributo si propone di analizzare questi ultimi partendo da alcuni casi di studio, Alberta Ferretti e Franco Moschino facenti capo al gruppo AEFFE, al fine di esaminare il ruolo dell'arte nel processo creativo nella moda italiana.

Parole chiave: Arte; Citazioni; Creatori; Moda; Processo creativo; Stilisti.

Summary: In the last 30 years, Italian designers and artists have used art experimenting art combinations from different historical periods, what however, is not new in fashion history. In the early twentieth century, tailor Rosa Genoni won an award in the Milan Exhibition, offering dresses inspired by the works of Botticelli and Pisanello as a good example of a new Italian fashion. In recent decades, many are the uses of art in clothing design, more or less conscious, more or less explicit. In this paper we analyze several case studies, as Franco Moschino and Alberta Ferretti, who belong to the AEFFE group, in order to examine the role of art in the creative process in Italian fashion.

Keywords: Artists; Arts; Creative process; Designers; Event; Fashion.

Resumo: Nos ultimos 30 anos os designers e criadores italianos hao feito uso da arte experimentando combinacoes e citas de obras de arte pertencentes a deferentes periodos e epocas. Isto nao e nada novo na historia da moda. Faz mais de um seculo, a inicios do seculo XX, a alfaiate Rosa Genoni ganhou um premio na Exposicao de Milao, propondo vestidos inspirados nas obras de Pisanello e Botticelli como bom exemplo e excelente bandeira de uma nova moda italiana. Durante as ultimas decadas, muitos sao os usos da arte no design de roupa, mais ou menos conscientes, mais ou menos explicitos. Neste trabalho se analisarao estes ultimos a partir de alguns casos de estudo, Alberta Ferretti e Franco Moschino, pertencentes ao grupo AEFFE, com o fim de examinar o papel da arte no processo criativo na moda italiana.

Palavras chave: Arte; Citas; Criadores; Designers; Moda; Processo criativo.

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Desde los anos ochenta, estilistas y creadores italianos han recurrido al arte reutilizando y citando obras pertenecientes a diferentes epocas y momentos, centrandose en el Renacimiento y el estilo barroco. Las referencias funcionaban, como ha senalado Simona Segre Reinach en este numero, a anclar la produccion de ese momento a epocas en las que Italia era un punto de referencia en el gusto internacional. Algo que ya habia sucedido decadas antes, cuando, a inicios del siglo XX, la modista y maestra Rosa Genoni gano un premio en la Exposicion de Milan, proponiendo vestidos inspirados en las obras de Pisanello y Botticelli como buen ejemplo y excelente bandera de una nueva moda italiana.
Estas dos formas de retomar el pasado tenian el mismo proposito, es decir, el de hacer reconocible la referencia pero con dos significados diferentes. La cita resultaba explicita en ambos casos gracias a que el Renacimiento italiano es universalmente conocido. Mientras que la intencion de Rosa Genoni y de otros intelectuales y creadores italianos era la de liberar a la moda italiana de la hegemonia francesa y de recuperar posiciones de liderazgo como las obtenidas entre los siglos XV y XVI, en los casos recientes, la intencion resulta principalmente celebrativa y, por lo tanto, reivindica los antiguos origenes del fenomeno conocido como Made in Italy, en el momento de su mayor exito. Incluso en las colecciones mas recientes no faltan en el diseno de prendas de vestir referencias a la obra de artistas que son reconocidos como tales. Se trata de referencias, mas o menos conscientes y mas o menos explicitas, a determinadas obras de arte o a movimientos de diferentes periodos historicos y artisticos. La moda tiene formas de relacion con el arte como lo demuestran los intercambios reciprocos y contaminaciones ya presentes en el pasado, y que se refieren tambien a las etapas del proyecto y de la realizacion y es sobre esto que el presente trabajo pretende reflexionar. Despues del comienzo del siglo XX, se le ha reconocido al sastre, el papel de artista, ya no hay ninguna duda en la identificacion de las semejanzas entre quienes se expresan a traves del vestido y quienes lo hacen a traves de una pintura o una escultura, de hecho se habla, en algunos casos, el de Capucci por ejemplo, de vestidos-esculturas.
En la epoca de Charles Frederick Worth, considerado el padre de la Alta Costura, el sastre intervenia tanto en la fase de ideacion como en la fase operativa, realizando desde el diseno la confeccion del vestido. Ayudado, por supuesto, por los colaboradores del taller que participaban en las distintas etapas en la realizacion de cada prenda de vestir. El vestido, sin embargo, era, sin duda obra del creador y gracias a esto era reconocible por los clientes y por lo tanto deseado y comprado. En ese tiempo hacer de un vestido una obra de arte era tanto idea del sastre cuanto de su capacidad para convertir el proyecto en objeto. Este ultimo reunia los criterios necesarios que tambien ahora harian posible reconocer una obra de arte, es decir, su originalidad y singularidad. Sin embargo, tengase en cuenta que los vestidos de Worth podian replicarse hasta el infinito a traves de la compra de los derechos de los patrones de la copia, puestos en el mercado por el mismo sastre, que habrian sido realizados por otros. Esto sucede todavia hoy en la alta moda francesa e italiana, en la que los creadores pueden renunciar a la originalidad y la singularidad de sus obras a causa de intereses comerciales.
Un producto de moda es el resultado de un trabajo colectivo, una "creatividad extendida" a lo largo de todo el proceso de produccion. Si se quiere reflexionar sobre las fases relativas a la creacion de una prenda de vestir, tiene que decirse que respecto a la epoca de Worth, hoy la fase de ideacion es distinta de la verdadera fase creativa que se encarga a expertos que prueban la viabilidad del proyecto inicial. Estos expertos se ocupan del modelado y de la creacion de prototipos, dos areas fundamentales en las empresas de confeccion, cuya organizacion interna tiene que satisfacer la necesidad de fabricar prendas de vestir en serie en tiempos bastante breves. Simone Badioli, director ejecutivo del Grupo Aeffe, dice que para cada estacion del ano en su empresa se crean alrededor de 3600 nuevos codigos que corresponden a otros tantos productos disenados por los estilistas de diferentes marcas del grupo. Los estilistas dialogan con la Oficina de Colecciones y Modelado: el primero se ocupa de los materiales de investigacion a traves de los proveedores, el segundo convierte el dibujo en un modelo. Ambos sectores son de gran importancia en la fase de produccion, ya que solo gracias a las habilidades especificas pueden satisfacerse las exigencias de los estilistas, aportando cuando sea necesaria alguna mediacion. Dentro del Grupo Aeffe, por ejemplo, el prototipo es unico para todas las empresas que forman parte del grupo y quien se ocupa pone su experiencia al servicio de la creatividad de los estilistas. La idea del disenador - artista comunicada a traves de un dibujo o un esquema la concretiza el modelista que desarrolla el modelo en papel, junto con el sastre que hace el prototipo y que prueba al mismo tiempo. Los modelistas y los sastres transforman el proyecto, cada uno con su propia experiencia, en una forma compleja a la que dan tridimensionalidad bajo la supervision del creador. A traves de la aplicacion de las normas aprendidas durante el proceso de formacion, combinadas con la experiencia laboral practica adquirida a lo largo del tiempo, los modelistas y los sastres se dedican a la delicada fase que solo se puede llevar a cabo artesanalmente. En el ambito empresarial la ideacion de un nuevo modelo tambien puede ser el fruto de una sola persona, pero su realizacion depende de un trabajo colectivo, como, por otra parte, sucedia en el taller medieval. En aquella epoca, de hecho, en los talleres las manufacturas no eran obras solo del maestro sino que eran el resultado de un trabajo en equipo donde las diferentes habilidades contribuian en la realizacion del producto terminado. Esto sucedia tambien en los talleres de los grandes artistas que, junto a algunas obras creadas para los clientes ricos, hacian objetos para ser vendidos a una clientela mas amplia, interesada en comprar objetos ya presentes en el taller. En este ultimo caso la singularidad de la mano del artista era menos importante que la funcion cumplida por el objeto, es decir, ser bello, de buena calidad y construido a la perfeccion. Estas caracteristicas no estaban necesariamente relacionadas con el concepto de originalidad que es fundamental en el reconocimiento de la obra de arte. Incluso en el Renacimiento las obras de arte podian ser replicadas, uno de los ejemplos mas famosos es el de la Virgen de las rocas de Leonardo. Segun el, la diferencia entre el artista y el artesano consistia en el hecho de que el arte no se podia ensenar ni tampoco copiar, ya que era el fruto de la inspiracion y la creatividad, a diferencia de la practica artesanal, que se basaba en la transmision de conocimientos y habilidades, por lo tanto, mediante la aplicacion de tecnicas y metodos rigurosos, para copiar cualquier objeto.
Como en la Edad Media, el trabajo colectivo, la difusion del saber y la aplicacion de un metodo garantizaban un producto fabricado de manera profesional, como ya lo han senalado Maria Giuseppina Muzzarelli y Nicoletta Giusti en sus articulos, asi tambien ahora la union de las habilidades de los estilistas, modelistas y otros tecnicos no solo no rebaja el trabajo del disenador, sino que lo transforma, de proyecto e idea en vestido. A pesar de la segmentacion en dos partes del proceso creativo entre quien concibe la idea y la puesta en practica -donde, sin embargo, todas las partes interactuan hasta el final- el producto final no pierde su caracter de originalidad; desde luego renuncia a su singularidad, pero esto no resta valor al trabajo del artista-estilista ni a la calidad del objeto. La colaboracion entre el estilista, el modelista y el sastre es muy importante e, incluso, indispensable para transformar la idea inicial en una prenda de vestir producida en serie que, en general, no puede ser modificada mas adelante. Ello no implica que los estilistas no sepan realizar autonomamente un modelo y un prototipo, lo cierto es que el ritmo de la produccion requiere de un tiempo bastante rapido lo que conlleva la division del trabajo en segmentos y la especializacion. La experiencia de quienes se ocupan de modelos y prototipos es, por lo general, tal como para acelerar las etapas de produccion y correccion de errores.
El objetivo del trabajo en grupo es dar forma al proyecto inicial, porque a diferencia de otras formas de arte, la moda tiene una relacion con el cuerpo necesario e imprescindible y un mercado, constituido por los consumidores conscientes, potencialmente amplio. La funcionalidad del vestido se consigue mediante el trabajo de profesionales que, trabajando en estrecha colaboracion con el creador, permiten la realizacion de una obra hecha de manera profesional y nacida de un proyecto artistico. Al igual que en el taller medieval, en las empresas de moda italianas, artistas y artesanos trabajan juntos. .Podemos llamar a este producto una obra de arte a pesar de que ha perdido su valor de originalidad e irrepetibilidad? En el ambito de la moda, el artista/sastre/estilista puede crear, por encargo, una obra unica y decidir si replicarla indefinidamente, ocupandose de todas las fases o pidiendo, a quien lo sabe, habilidades especificas. Se debe a ellos la capacidad de hacer real la idea inicial, es decir, transformar el proyecto en cuestion, haciendolo funcional y adecuado para el mercado.
Dentro del Grupo Aeffe, que es el caso al cual referiremos los argumentos presentados hasta ahora, en los prototipos trabajan ochenta costureras que llevan a cabo la idea desarrollada y apoyada por casi 500 personas. Estos profesionales, de acuerdo con el administrador del grupo Simon Badioli, constituyen la memoria corporativa que garantiza la continuidad y la calidad del producto ofrecido por las marcas que pertenecen al mismo grupo. Esto ayuda a mantener un alto nivel de experiencia y de confianza en lo ya experimentado. Talleres como el descrito anteriormente, es decir, lugares donde se acumulan las experiencias incrementando, al mismo tiempo, el patrimonio y la riqueza de la experiencia tecnica, constituyen una de las razones por las que, todavia hoy, producir en Italia representa para muchas marcas de lujo un valor agregado. A pesar de que se recurra a la delocalizacion, especialmente para los clientes internacionales, la decision de producir en Italia, que tiene que ver tambien con algunas de las marcas de lujo extranjeras, depende de la presencia de un sofisticado sistema donde la artesania desempena un papel esencial. Los artesanos son un eslabon en la cadena de transmision del saber que en Italia tiene sus raices en la Edad Media y sigue siendo hoy el sello de calidad de los articulos de lujo. A la pregunta sobre la relacion entre la fase creativa y la fase productiva, el administrador del Grupo Aeffe responde que

la industrializacion comienza ya durante el proceso creativo y el proceso organizativo improvisa hasta el ultimo dia. Es por eso que es importante que todas las partes cooperen entre si constantemente, a traves de los responsables de cada sector y a traves de una "tension controlada" que permita llegar a los objetivos. El estilista de cada marca colabora con la Oficina de Colecciones y Modelado. Una figura clave -continua Badioli Simone- es tambien quien se encarga de la parte comercial, sensor real en el mercado, ya que representa el punto de contacto con los clientes. Gracias a la colaboracion de todos estos repartos, el tiempo de reaccion para hacer las correcciones es casi inmediato (Badioli, 2012).

En cuanto a los criterios bajo los cuales se realiza la eleccion de las marcas producidas por el Grupo Aeffe, Simon Badioli senala que ellas responden a un "estrategia emotiva", que probablemente se basa en un sentimiento comun, compartido por los estilistas de la cultura corporativa que caracteriza al grupo que dirige la estilista Alberta Ferretti. Alberta Ferretti fundo el grupo en 1972, que todavia hoy dirige con su familia. Gran parte de los estilistas que crean las marcas producidas por Aeffe tienen o han tenido una estrecha relacion con el arte, ya sea gracias a una cultura artistica, de la que derivan las citas reconocibles en su trabajo, o gracias a experiencias creativas directas. Veamos algunos ejemplos.
Desde los anos ochenta Alberta Ferretti ha reelaborado en sus creaciones un imaginario relacionado con la cultura clasica que, en linea con el estilo posmoderno, la ha llevado a recuperar los drapeados de las vestimentas grecoromanas a traves de tejidos impalpables y colores suaves. La referencia al mundo antiguo es una constante en las creaciones de Ferretti, evocado tambien en la coleccion primavera/verano 2011, a traves del ensamblaje de joyas en los peinados y calzados coherentes. La estilista no solo se inspira en el mundo clasico, ya que los tejidos floreales escogidos por ella para otras colecciones evocan tambien la epoca del Renacimiento. En el caso de Alberta Ferretti no se trata de seguir una tendencia, ya que su inspiracion en el mundo clasico o renacentista, recordado principalmente por el uso de tejidos especiales, parece ser casi un continuum hasta convertirse en un rasgo distintivo.
Desde 1983, el grupo de Alberta Ferretti produce las colecciones de Franco Moschino (1950- 1994), famoso disenador de moda que, a traves de su compromiso y sus creaciones, trato de provocar, de romper los moldes, de hacer reaccionar a traves de la moda, al igual que el artista, definicion que el preferia a la de estilista, como el mismo dijo: "por otra parte lo soy" (Corriere della Sera, 20 de septiembre de 1994, p 12.). En efecto, Franco Moschino se habia formado en la Academia de Bellas Artes de Brera para ser pintor, decidiendo sucesivamente dedicarse a la moda. Se trato de un significativo cambio de ruta, por supuesto, incluso de una aplicacion a la moda de la eleccion originaria. Sin querer trazar la trayectoria profesional de este creador, cuyo caso ha sido muy estudiado, baste senalar que Moschino pudo encontrar en la moda un medio de expresion artistica utilizando la ropa como un lienzo en el que expresar su mensaje. En cuanto a las citas de obras de arte, eran a menudo medios para desviar la atencion combinando estilos distantes entre ellos: lo hizo, por ejemplo, imprimiendo sobre tejidos la Gioconda, volviendo repetible y accesible a todos esta obra de arte simbolo del Renacimiento.
El arte en la moda fue para Moschino tambien un medio para poner en practica un compromiso politico y cultural: la valorizacion del territorio italiano, como en el caso de la reproduccion de la Torre de Pisa en una prenda de vestir. La referencia a una ciudad de arte era una forma de dar valor a la cultura y al paisaje italiano, fruto tambien de la cultura y, por lo tanto, una forma de dar un origen significativo al propio trabajo artistico, "hecho en Italia". Compartir esta idea de Italia, del arte y de lo hecho con calidad significaba compartir ese sentimiento comun que permitio a gente como Moschino y Alberta Ferretti trabajar juntos y compartir esa "estrategia emotiva" mencionada por Badioli que se basa, incluso, en un amor comun por el arte, la proteccion y la valorizacion de los lugares y las tradiciones italianas. En esto ha sido ejemplar la actuacion de Alberta Ferretti, quien ha dedicado mucho esfuerzo en la restauracion y reapertura del burgo malatestiano de Montegridolfo, un castillo situado al sur de la region romanola, en el interior de Cattolica, lugar de nacimiento de la estilista. Por su compromiso en el ano 2000 fue honrada con la concesion de un doctorado honoris causa en Conservacion del Patrimonio Cultural por la Universitàdi Bologna.
La ultima coleccion para otono/invierno 2012-2013 presentada por los estilistas Christopher Brooke y Bruno Basso que disenaron la marca Basso&Brooke, producido por el Grupo Aeffe, puede considerarse emblematica y la suma de por lo menos algunas de las cosas dichas hasta ahora. Los dos estilistas han creado vestidos confeccionados con tejidos impresos, formados a su vez por trozos de tela irregulares. Son impresiones inspiradas en obras de Matisse, contaminadas con patrones clasicos, tales como pied de poule, principe de Gales, lineas, grecas, agrandados o reducidos y casi irreconocibles para crear nuevos motivos. En este ultimo caso vemos la absorcion casi total de la obra de Matisse en un nuevo contexto donde la contaminacion de generos es funcional para sorprender e innovar. Si la inspiracion del estilista es el origen de la ideacion de las creaciones artisticas en la moda, es la habilidad de aquellos que permiten una perfecta realizacion impecable para crear una prenda de vestir, dando cuerpo a la inspiracion originaria.

Referencias Bibliográficas

1. Badioli, S. (2012). Intervencion en Seminario en la sede de los cursos de Licenciatura y Master en "Culturas y tecnicas de la moda" y "Moda", Facultad de Filosofia y Letras de la Universidad de Bolonia, Sector Cientiifico Didactico de Rimini, el 17 de abril de 2012.         [ Links ]

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Fecha de recepcion: marzo 2012
Fecha de aceptacion: junio 2012
Version final: junio 2013