CINCUENTA AÑOS DE SOLEDAD. ASPECTOS Y REFLEXIONES SOBRE EL UNIVERSO DEL VIDEO ARTE

El videoarte y su relación con las vanguardias históricas y cinematográficas

 

Camila Sabeckis *

^(*) Licenciatura en artes combinadas (UBA 2002). Coordinadora de talleres de cine de animacion para ninos y adolescentes en el Taller de cine El Mate (2003- 2008).

Fecha de recepcion: junio 2013
Fecha de aceptacion: marzo 2014
Version final: mayo 2015

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Resumen

A principios del siglo XX, ya finalizada la Primera Guerra Mundial, surgen en Europa un conjunto de movimientos artisticos de caracter renovador que proponian romper con las formas artisticas tradicionales. Estas manifestaciones, denominadas vanguardias artísticas, van a poner en crisis los valores arraigados y a postular el rechazo radical del arte realista y el gusto por la experimentacion de nuevas formas artisticas. Siguiendo el ejemplo de otras artes los cines vanguardistas, que afloran en Europa en la decada de 1920, van a cuestionar el modo de representacion cinematografica dominante impuesto fundamentalmente por la industria hollywoodense. Conformados por artistas de distintos ambitos: músicos, fotógrafos, pintores o escritores, buscaban experimentar con el nuevo medio y romper con la narracion clasica sistematizada. Cuatro decadas mas tarde, en los anos 60, un grupo de artistas ligados al arte conceptual, las artes plasticas, escenicas y musicales comienzan a utilizar la nueva tecnologia de la imagen electronica con fines artisticos dando lugar al Video Arte. El videoarte se nutre asi en sus inicios de las principales tendencias y manifestaciones de las ultimas vanguardias, el arte pop, el minimalismo, el dadaismo y el cubismo. Esta nueva corriente artistica va a postular una critica con todo lo que de institucional tenia el mundo del arte y una ruptura con lo convencional o "visualmente correcto", coincidiendo en esta actitud con los movimientos vanguardistas cinematograficos. El presente articulo tiene como finalidad analizar las caracteristicas del cine vanguardista y del video arte, y el contexto historico cultural en que tuvieron lugar, de manera de establecer los puntos de contacto entre ambas manifestaciones y las implicancias que tuvieron en el ambito artistico.

Palabras clave: Experimentacion; Institucional; Renovacion; Ruptura; Vanguardias artisticas y cinematograficas; Video arte.

Summary

In the early twentieth century, and following the First World War in Europe arise a group of innovative artistic movements that proposed to break the traditional artistic forms. These manifestations, called artistic vanguards, put into crisis the rooted values and posed a radical rejection of realist art and a taste for experimentation with new forms of art. Following the example of other arts, the film vanguards, which emerge in Europe in the 1920s, will question the dominant motion picture mode mainly imposed by the Hollywood industry. Made up of artists from different fields: musicians, photographers, painters or writers, these vanguards looked for get experienced on the new media breaking the systematized classical narration. Four decades later, in the 60s, a group of artists linked to conceptual art, visual arts, musical arts and begin to use the new electronic imaging technology for artistic purposes leading to Video Art. Video art thrives well in the beginning of the main trends and manifestations of the latest innovations, pop art, minimalism, Dadaism and Cubism. This new artistic movement will postulate a critical position against art world conventions in coincidence with film vanguard movements. This article aims to analyze the characteristics of the film and video art vanguards, and the cultural historical context where it took place, in order to establish the contact points between the two events and the implications they had on the arts.

Keywords: Break; Experimentation; Film and arts vanguards; Institutional; Renewal; Video art.

Resumo

A principios do seculo XX, ja finalizada a Primeira Guerra Mundial, surgem na Europa um conjunto de movimentos artisticos de carater renovador que propunham romper com as formas artisticas tradicionais. Estas manifestacoes, denominadas vanguardas artisticas, poem em crise os valores arraigados e a postular o rechaco radical da arte realista e o gosto pela experimentacao de novas formas artisticas. Seguindo o exemplo de outras artes, os cines vanguardistas, que afloram na Europa na decada de 1920, vao questionar o modo de representacao cinematografico dominante imposto fundamentalmente pela industria hollywoodiano. Conformados por artistas de diferentes ambitos: musicos, fotografos, pintores ou escritores, procuravam experimentar com o novo meio e romper com a narracao classica sistematizada. Quatro decadas mais tarde, nos anos 60, um grupo de artistas ligados a arte conceitual, as artes plasticas, cenicas e musicais comecam a utilizar a nova tecnologia da imagem eletronica com fins artisticos dando lugar ao video arte. O video arte se nutre nos comecos das principais tendencias e manifestacoes das ultimas vanguardas, a arte pop, o minimalismo, o dadaismo e o cubismo. Esta nova corrente artistica postulara uma critica com tudo o que de institucional tinha o mundo da arte e uma ruptura com o convencional ou visualmente correto, coincidindo nessa atitude com os movimentos vanguardistas cinematograficos. O presente artigo tem como finalidade analisar as caracteristicas do cinema vanguardista e do video arte, e o contexto historico cultural em que tiveram lugar, de modo de estabelecer os pontos de contato entre ambas as manifestacoes e as implicancias que tiveram no ambito artistico.

Palavras chave: Experimentacao; Institucional; Renovacao; Ruptura; Vanguardas artisticas e cinematograficas; Video arte.

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Introducción

El Video Arte como movimiento artistico surge a principios de 1960 de la mano de un grupo de autores que se valieron de la imagen electronica y la camara de video como medio de expresion artistica. Tuvo lugar fundamentalmente en Europa y Estados Unidos, y se nutrio de diversas disciplinas como el arte conceptual, las artes plasticas, la musica, el teatro, etc. La camara de video portatil permitio a una nueva camada de artistas de diversas disciplinas utilizar el video como instrumento para experimentar con las imagenes en movimiento y crear un nuevo lenguaje expresivo. El video arte surge emparentado con las experiencias artisticas de vanguardia, buscando diferenciarse de la TV y el cine que intentaban asemejarse a la realidad. Los video artistas indagaron en la manipulacion de las imagenes renunciando a la narratividad, no buscaron contar historias, como si lo hacian la TV y el cine, sino que experimentaron con la iluminacion y el color, y utilizaron el montaje de manera expresiva a traves de yuxtaposiciones, incrustaciones y sobreimpresiones de textos, jugando tambien con la duracion del tiempo a traves de ralentis y acelerados. La innovacion, la experimentacion con el material, la transgresion de las reglas establecidas, el activismo, la creacion de nuevos lenguajes, son caracteristicas que pueden considerarse pertinentes a las vanguardias historicas que tuvieron asimismo su representacion en el cine, y que fueron retomadas por los video artistas en los anos 60 y 70 conformandose de esta forma un fenomeno artistico que remitia a aquellas manifestaciones que tuvieron lugar entre 1920 y 1930 en Europa, inicialmente en la pintura, y luego en otras disciplinas. A partir de estas nociones intentaremos establecer en el presente ensayo las correlaciones entre las consideradas vanguardias cinematograficas de principios del siglo XX y el video arte. A continuacion expondremos las caracteristicas principales de los movimientos conocidos como vanguardias historicas y analizaremos su correspondencia con las vanguardias cinematograficas para observar luego de que manera las caracteristicas de estas manifestaciones subyacen en las practicas de los video artistas mas destacados.

Las vanguardias históricas y su correlato en el cine

Los movimientos sociopoliticos de comienzos del siglo XX, con la burguesia como clase social dominante, dieron lugar a un momento de gran esplendor, y al surgimiento de una corriente de renovacion artistica que planteaba la necesidad de crear un arte nuevo, moderno, que rompiera con el academicismo imperante en la epoca. Inventos como la fotografia y el cine y los descubrimientos cientificos que cuestionaban la objetividad del mundo que percibimos como la teoria de la relatividad, el psicoanalisis y la subjetividad del tiempo de Bergson, dieron lugar a que los artistas se alejaran de la concepcion del arte como imitacion de la realidad, y buscaran nuevas formas de expresion. Surgieron asi los movimientos de vanguardia, cuya idea fundamental fue acercar el arte a la vida, a la sociedad, promoviendo un nuevo espectador mas activo, que no solo contemple si no que pueda reconstruir las obras mentalmente. En todas estas corrientes se pone de manifiesto una crisis entre el arte vigente y la sociedad. La idea de revolucion artistica, de ruptura con lo establecido, la creacion de manifiestos donde establecian sus ideas y las acciones a seguir en su lucha contra los sistemas culturales y artisticos dominantes fueron algunas de las caracteristicas mas destacadas de las vanguardias historicas.
El significado de la palabra vanguardia remite a la idea de lucha, de pequenos grupos que se destacan dentro de un conjunto mayor, situandose por delante. A principios del siglo XX el termino empezo a tener implicancias de relieve en el arte. En este sentido se denomina vanguardias historicas a una serie de movimientos artisticos innovadores que surgieron durante las primeras decadas del siglo XX. Eran grupos reducidos que se enfrentaron a la cultura imperante. Se encuadran dentro de esta acepcion diversas manifestaciones artisticas que a traves de sus formas de expresion y de representacion buscaron romper con los canones establecidos por las instituciones artisticas tradicionales y por las disposiciones esteticas dominantes impuestas por las clases sociales mas elevadas y los intelectuales de la epoca. Las vanguardias historicas se gestan en torno a 1910 y su desarrollo alcanza hasta el final del periodo de entreguerras, aunque pueden encontrarse en epocas posteriores algunas de sus caracteristicas en diferentes disciplinas artisticas.

Características de las vanguardias históricas

El vanguardismo se manifiesta a traves de diversos grupos artisticos interdisciplinarios que desde planteamientos divergentes buscan la renovacion del arte o el cuestionamiento de su funcion social, lo cual van a llevar adelante a partir de recursos que quebranten o distorsionen los sistemas mas aceptados de representacion o expresion artistica en distintas ramas del arte: teatro, pintura, musica, cine, etc. Las corrientes mencionadas tuvieron diferentes fundamentos esteticos, sin embargo hay una serie de rasgos que fueron comunes a todas ellas. Una de las principales caracteristicas es su intencion de provocar, de utilizar el arte como medio para manifestar su disconformidad con las concepciones artisticas dominantes, planteando la necesidad de romper con lo establecido. Lucharon contra las tradiciones desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento y reivindicaron lo nuevo. Defendieron la libertad de expresion individual , la liberacion de las formas y el color, y el gusto por lo experimental. La pintura dejo de ser figurativa y paso a ser abstracta, surgieron los disenos geometricos y los objetos se representaron desde distintos puntos de vista al mismo tiempo. Buscaron perturbar la experiencia estetica y generar una transformacion en la sensibilidad de los receptores de la obra artistica.
Las reglas de escritura en la literatura y la poesia fueron alteradas, rompiendo con la estructura tradicional de las composiciones. Los temas viejos fueron rechazados, el mundo interior de los personajes cobro protagonismo, se altero la cronologia temporal, y se multiplicaron los puntos de vista del narrador. Los autores comenzaron a manifestar su interes por el individuo y su destino, y en muchos casos dejaban al lector la tarea de desentranar la historia y completarla, exigiendole asi mayor atencion en su lectura. A pesar de sus intentos de romper con lo institucionalizado, no lograron dominar el mercado ni el gusto del gran publico y su duracion no se extendio mas alla de las primeras decadas del siglo XX, aunque sus ideas y concepciones siguieron influyendo a las distintas ramas del arte hasta la actualidad. Movimientos de vanguardia como el impresionismo, el expresionismo, el futurismo, el surrealismo y el dadaismo, influyeron de manera decisiva en el surgimiento de los cines vanguardistas de la decada del veinte.

Las vanguardias históricas y su relación con el cine

Tomando como ejemplo a los movimientos de ruptura que se dieron en otras artes, los cines vanguardistas van a cuestionar el modelo de representacion clasica imperante (MRI: movimiento de representacion institucional) impuesto por Hollywood y definido por Noel Burch (1991) como el "conjunto de las directrices, (escritas o no), que historicamente, han sido interiorizadas por los cineastas y los tecnicos como la base indeductible del lenguaje cinematografico en el seno de la institucion, y que han permanecido constantes a lo largo de cincuenta anos, independientemente de las importantes transformaciones estilisticas que hayan podido intervenir" . Estas reglas llevaron a que el espectador percibiera el film como un transcurrir continuo, en el que la historia se cuenta sola; el montaje y sus diversas reglas fueron los pilares sobre los que se asento esta modalidad que pretendia dar transparencia al relato cinematografico y continuidad narrativa. En este sistema el autordirector pasa a ser un elemento mas de la cadena de produccion, y el exito de taquilla dependera del star system y de la identificacion del publico con el actor-personaje.
Los movimientos de vanguardia en el cine se dieron fundamentalmente en Francia y Alemania. No tendremos en cuenta en este ensayo el movimiento constituido en el cine sovietico (que se produjo tambien en la misma epoca), dado que constituyo un fenomeno mas ligado a un fin politico, por su relacion con la Revolucion Rusa, que artistico en si mismo.

Orígenes y características del impresionismo

El Impresionismo agrupo a una serie de artistas, que se asociaron en algunos momentos determinados al coincidir algunos de sus planteamientos esteticos, pero que no constituyeron una escuela propiamente dicha. Se dio en distintas artes pero destaco en la pintura a fines del siglo XIX y principios del XX, sobre todo en Francia, con artistas como Monet, Renoir, Degas, etc. Buscaron oponerse al academicismo, lo cual abordaron desde la tematica por un lado, inspirandose en la naturaleza para crear sus obras, dedicandose sobre todo a la pintura de paisaje, a retratar escenas que eran para ellos familiares, y desde la tecnica por otro: suprimieron la perspectiva tradicional y la anatomia clasica y pintaron con colores puros, mezclandolos directamente en el cuadro, jugando con los colores primarios y complementarios para que el ojo del espectador genere el color resultante. Las sombras dejaron de ser oscuras, y le dieron a la luz una funcion primordial.

El impresionismo en el cine

Respecto del surgimiento de las vanguardias cinematograficas Gubern (1998) planteaba que al finalizar la primera guerra se producen en Paris una serie de movimientos que apuntan a una renovacion cultural:

...con el final de la guerra se inaugura la era del terrorismo artistico, de la vivificadora demolicion de la tradicion cultural...convertido en el ombligo del mundo Paris se transformara en una jungla de ismos y en un caldo de cultivo de todos los experimentos que se hacen en nombre de la cultura...El psicoanalisis penetra en el arte y se publican demoledores manifiestos por doquier (Gubern, 1998).

Gubern (1998) vincula el desarrollo de las vanguardias cinematograficas en Francia y Alemania a la existencia de una poderosa industria cinematografica, porque negaron el cine comercial estereotipado y porque la prosperidad industrial y las posibilidades tecnicas que conlleva permitieron la experimentacion. La crisis en la industria cinematografica francesa por la Primera Guerra Mundial, que llevo al auge del cine norteamericano, permitio la aparicion de una nueva corriente que ayudara a levantarla. Fue Louis Delluc, critico, ensayista, guionista y realizador, quien junto a un grupo de cineastas: Germain Dullac, Marcel L´Herbier, Abel Gance y Jean Epstein, dio lugar a lo que catalogaron como cine impresionista. Vanguardistas confesos, reaccionaron frente al cine comercial-mercancia de masas. El autor comienza a cobrar protagonismo en la creacion cinematografica, nuevas figuras provenientes de estratos culturales elevados y de diversos campos artisticos como el teatro, la escritura, la poesia, etc., comienzan a interesarse por el cine como medio de expresion, elevando asi al cine a la categoria de arte. Los films impresionistas se caracterizaron por el naturalismo, innovando plasticamente buscaron narrar historias sencillas, incursionaron en la psicologia de los personajes, ahondando en su interior, en sus sentimientos. Dieron importancia al uso poetico de la luz para generar climas y a las imagenes subjetivas, se valieron de recursos como el desvanecimiento o flou (imagenes empanadas) que tomaron de los pintores impresionistas, sobreimpresiones, imagenes abstractas, lentes curvas, filtros, primeros planos, uso de la camara lenta y encuadres oblicuos. Introducen diversos tipos de montaje: el montaje ritmico, que consistia en adaptar las imagenes a un ritmo, a una banda sonora, el montaje alternado, el paralelo, el montaje rapido, y ademas, el flashback. El tiempo y el espacio fueron manipulados mediante el uso de imagenes mentales, suenos, recuerdos, las historias dejan de ser lineales. A excepcion de algunas caracteristicas plasticas que podemos observar en algunos films impresionistas, como los flous o desenfocados, o la importancia dada al uso de la luz, que en algunos momentos recuerdan algunas obras pictoricas del impresionismo, no hay muchos mas puntos en comun entre ambos movimientos.
Delluc busco a traves de sus films transmitir sensaciones al espectador, para el autor el cine era fotogenia: "la fotogenia es la percepcion filmica del objeto fotografiado, una percepcion que difiere de la del objeto real, pues esta mediatizada por la expresividad inmanente a la tecnica fotografica" (Paladino, 1995) su principal objetivo era sugestionar, impresionar al espectador, cautivarlo a traves de las imagenes, dado lo cual daba especial importancia a la ambientacion escenografica. En La femme de nulle part (1922), el recurso visual del flash back reemplaza al monologo para contar los recuerdos de una mujer que vuelve a su hogar veinte anos despues de haber abandonado su vida burguesa para irse con su amante, Delluc busco mostrar en imagenes el estado de animo de la protagonista, por lo cual el film es considerado uno de los primeros intentos de cine psicologico. Films como La rueda, (Abel Gance, 1921), y Corazón Fiel (Jean Epstein, 1923), utilizan el montaje rapido, con planos de varias tomas por segundo. El film de Gance acerca de un maquinista que perturbado por el amor que siente hacia su hija adoptiva pierde la razon y la vista, comienza con una serie de tomas muy breves: paisajes, ruedas, vapor, primeros planos de personas y finalmente la locomotora que cae al vacio. En tanto el de Epstein sobre dos hombres que pelean por el amor de una mujer, utiliza el mismo recurso en una escena que transcurre en una feria: una calesita, hamacas, automatas, encuadres oblicuos, primeros planos, camara subjetiva...etc.
A diferencia del cine comercial que ostentaba lujo y frivolidad, los films impresionistas preferian el naturalismo, ambientes populares como el puerto y los bares, como puede verse en el film de Jean Epstein: Finis Terrea (1929) en el cual los protagonistas son verdaderos pescadores. En relacion a la esencia del cine Epstein escribio:

... Asimismo, el cine tendra que evitar toda relacion...con temas historicos, educativos, narrativos, morales o inmorales, geograficos o documentales. El cine tiene que tender a convertirse ... en cinematografico, es decir, a utilizar unica y exclusivamente elementos fotogenicos. La fotogenia es la mas pura expresion del cine (Epstein, 1926).

Orígenes y características del expresionismo

El expresionismo tuvo lugar en Alemania entre 1905 y 1925, fue un movimiento cultural que se desarrollo a traves de diversas manifestaciones: pintura, fotografia, cine, teatro, etc. en las que se buscaba la expresion de los sentimientos interiores del artista, enfrentandose asi a los impresionistas, que buscaban la impresion de realidad en sus obras, no fue un movimiento homogeneo, sino de gran diversidad estilistica. Buscaban exteriorizar los sentimientos del ser humano, mostrar la realidad de manera subjetiva. Los expresionistas manifestaron a traves de su estetica la angustia existencial de los individuos en el contexto historico del momento, los adelantos tecnologicos y los descubrimientos cientificos, como la teoria de la relatividad de Einstein, y la aparicion del psicoanalisis, hicieron evidente que detras de la realidad visible hay algo escondido, que no percibimos a simple vista. Los expresionistas consideraban que esta nueva sociedad moderna e industrializada generaba alineacion y aislamiento en los individuos, por este motivo sus obras debian expresar los sentimientos mas intimos del ser humano, asi, los colores fuertes y oscuros invadieron la paleta, las figuras y objetos se deformaron, la perspectiva fue alterada, y la luz perdio protagonismo, reflejando asi su afliccion debido al clima de desolacion que se vivia en Alemania. La angustia existencial, la soledad, la muerte, la alienacion del individuo, eran temas recurrentes, distorsionaban la realidad intencionalmente para conmocionar a los espectadores. Sus obras presentaban un clima de decepcion, desconfianza, de tristeza y de perdida de valores. Vislumbraban una crisis en el desarrollo humano, que finalmente tuvo lugar con la Primera Guerra Mundial.

El expresionismo en el cine

El cine expresionista se caracterizara, sobre todo, por la tematica fantastica que abordaran los films encuadrados dentro de esta estetica. Todo tipo de personajes monstruosos seran protagonistas de las peliculas expresionistas: locos, asesinos, automatas, vampiros, etc. Hay una influencia directa de la literatura romantica en el delineamiento de los personajes, que se caracterizan por su ambiguedad y desdoblamiento. El amor como elemento transformador y causante de sufrimiento es un tema recurrente. La estetica expresionista tiene influencias pictoricas y teatrales y depende sobre todo de la puesta en escena, la escenografia cumple un rol esencial, el movimiento de camara y el montaje al igual que el rodaje en exteriores, son recursos poco utilizados. Los actores utilizan mucho maquillaje y se desplazan mediante movimientos lentos y escabrosos. Los objetos son utilizados como simbolos, las formas se tornan irreales, se deforman y exageran, el cine toma de la corriente pictorica –y de las puestas teatrales de Max Reinhardt– el uso expresivo de la luz y el claroscuro para figurar espacios tenebrosos. Estos efectos se crean en la primera camada de films mediante telas pintadas. A traves de las formas y las imagenes pretendieron crear mundos miticos y fantasticos para reflejar la angustia existencial del individuo. La escenografia no es independiente de lo que se esta narrando, la ambientacion es la encargada de generar el clima del film."En El Gabinete del Dr. Caligary la estilizacion expresionista sirve para transmitir el punto de vista de un loco... El mundo de la pelicula es practicamente una proyeccion de la vision del heroe" (Bordwell y Thompson, 1995). Estas caracteristicas fueron interpretadas mas tarde como una metafora de la crisis social y politica que atravesaba Alemania y que termino llevando a la Republica a refugiarse en el nacionalsocialismo. El gabinete del Dr. Caligary (Robert Wiene 1919), es considerado el primer film expresionista, con guion de Carl Mayer y el poeta Hans Janowitz, contaba la historia del Dr. Caligari y su fiel sonambulo Cesare vinculados con una serie de asesinatos en un pueblo aleman. Los autores buscaron una estilizacion fuera de lo comun, se construyo una escenografia estrambotica, con chimeneas oblicuas y reminiscencias cubistas, generando una ambientacion tenebrosa, todo ello con una funcion meramente dramatica y psicologica, y no como algo decorativo. Segun senala Gubern (1998), los guionistas querian denunciar a traves de esta historia fantastica el rol del Estado Aleman durante la guerra, que utilizo a sus subditos de la misma manera que Caligary utilizaba a Cesare para cometer sus crimenes, pero esta intencion quedo finalmente suprimida por el agregado de dos escenas al principio y al final que tergiversaron el guion original. Antecedieron a El gabinete del Dr. Caligary films como El Golem (1914) de Wegener y Galeen, historia de un hombre de arcilla que se rebela contra el rabino judio que lo creo, y El estudiante de Praga (1913) de Stellan Rye, sobre un joven que por amor vende su imagen reflejada en los espejos, que remitia a la leyenda de Fausto.
Entre los films mas destacados del movimiento se encuentran Nosferatu, el vampiro (1921) de Frederich Murnau, una nueva secuela de El Golem (1920) de Henrik Galeen, y El hombre de las figuras de cera (1921) de Paul Leni, historia de un joven poeta a quien se le encarga escribir historias sobre tres personajes de cera expuestos en una feria. Junto con Murnau, Fritz Lang sera uno de los autores mas representativos del movimiento. Su expresionismo se caracterizo por ser mas arquitectonico y monumental, a diferencia de los decorados pintados de Caligary. Entre sus films se destacaron Las tres luces (1921), Dr. Mabuse, el jugador (1922), Los nibelungos (1924) y Metrópolis (1927) historia futurista de una gran ciudad cuya sociedad se compone de una elite de propietarios y pensadores, que viven en la superficie, y de los trabajadores, que viven bajo la ciudad y que trabajan sin cesar para mantener el modo de vida de los de la superficie, lo mas impresionante del film fueron los suntuosos decorados con reminiscencias goticas y art deco. El expresionismo, tal como lo expresa Gubern (1998) evolucionara sustituyendo las telas pintadas por los decorados, dando paso a una iluminacion mas compleja como medio expresivo. El movimiento expresionista en el cine duro hasta 1927, aunque su influencia perduro en varios films posteriores como El vampiro de Dusseldorf (1933) y El testamento del Dr. Mabuse (1933) de Fritz Lang.

El futurismo y la influencia cubista

Surgido en Italia, el futurismo es el primer movimiento artistico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1910 a traves del Manifiesto Futurista, publicado por el poeta Fillippo Marinetti. Toma varios de los postulados del cubismo: su replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. creando un nuevo lenguaje pictorico y estetico que implicaba una nueva relacion entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no contempla sino que reconstruye la obra en su mente para poder comprenderla. El Cubismo es un arte mental, la obra de arte tiene valor en si misma, como medio de expresion de ideas, no como imitacion de la naturaleza. La desvinculacion con la naturaleza se consigue a traves de la descomposicion de la figura en sus partes minimas. Asi un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la linea de contorno. Desapareceran las gradaciones de luz y sombra y las formas geometricas seran protagonistas.
Las obras futuristas se caracterizan por el color y las formas geometricas, y la representacion del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente, pintandolos en varias posiciones, o emborronandolos. Se buscaba el escandalo, admiraban la velocidad y la tecnologia, exaltaron la modernidad y pretendieron romper con el pasado. Condenaron a los museos, a los que consideraban cementerios. Pretendian, y valoraban, la originalidad por encima de todo. El movimiento surgio en el contexto de la nueva sociedad industrial y, en lugar de rechazarla, la reclamaba.

El futurismo en el cine

La importancia del futurismo en el cine, no reside tanto en su produccion, de la cual poco se conoce por la falta de conservacion de sus films, sino en el hecho de que los futuristas teorizaron sobre el cine en su manifiesto en 1917:

...El cine, siendo esencialmente visual, tiene que realizar antes de todo la evolucion de la pintura: desprenderse de la realidad de la fotografia, de lo bonito y de lo solemne... Los montes, los mares, los bosques, las ciudades... seran a menudo nuestras palabras formidablemente expresivas: el universo sera nuestro vocabulario... (Marinetti, 1909).

Ballet mécanique (1923) de Fernand Leger, es uno de los films que suele enmarcarse dentro de este movimiento: Un caleidoscopio de imagenes con una energetica banda de sonido. El film da cuenta de un mundo en movimiento dominado por imagenes mecanicas y repetitivas combinadas con momentos de soledad en un jardin. Una joven se mece en un jardin, otra sonrie, una mujer sube una y otra vez las escaleras, otra baila, etc. Las tomas alternan cilindros en rotacion, pistones, turbinas y objetos de cocina. La intencion del autor es poner a prueba la tolerancia del espectador frente a la repeticion y ver que efecto produce en el espectador. Otro film destacado del movimiento fue Pacific 231 (1949 Jean Mitry), el titulo es el nombre de la locomotora a vapor que protagoniza este corto del critico y teorico del cine Jean Mitry, donde se unen cine, musica y maquina.

Características del dadaísmo y el surrealismo

El Dadaismo, nace en 1916 en Suiza como una negacion de todos los movimientos anteriores y en contra de la narracion clasica de la Historia del Arte. Tristan Tzara, poeta y ensayista fue su figura mas representativa. Luchaba contra lo que denominaban "arte retiniano", una forma de creacion que se basaba en la imitacion, aspiraba a producir obras completamente distintas gracias a la creacion desde diferentes disciplinas: pintura, collage, fotografia, cine… En su arte, que a su vez se define como antiarte, lo esencial es la idea. El Dadaismo se presenta como una forma de vivir y un rechazo absoluto de toda tradicion o esquema anterior. Para los dadaistas el arte no deberia ser una institucion sino un acto creador libre, caotico, fugaz y subversivo, se manifiestan contra la idea del arte ligado al concepto de belleza, orden y perfeccion. Postulaba ante todo la libertad individual, la espontaneidad, lo fortuito y contradictorio, el caos. Fue un movimiento provocador, los artistas pretendian destruir todas las convenciones con respecto al arte y abolir las fronteras entre arte y vida. Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y esteticos del momento, los dadaistas se valieron de metodos artisticos y literarios muchas veces incomprensibles, el azar, lo absurdo y lo irracional estaban presentes en sus obras, para esto utilizaron nuevos materiales: papel usado, cosas encontradas en la calle, etc. y elevaron objetos cotidianos a la categoria de obras de arte (los ready made de Duchamp) con el objetivo de hacer reaccionar el publico y que este reconsiderara los valores esteticos establecidos. Duchamp, Picabia, Man Ray, entre otros, formaron parte de este movimiento

Surrealismo

A partir del dadaismo, surge en Francia hacia 1920 el surrealismo como movimiento artistico y literario en torno a la personalidad del poeta Andre Breton, quien en 1924 publica en el primer manifiesto Surrealista:

Surrealismo: Automatismo psiquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervencion reguladora de la razon, ajeno a toda preocupacion estetica o moral.
Filosofia: El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociacion desdenadas hasta la aparicion del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psiquicos, y a sustituirlos por la resolucion de los principales problemas de la vida (Breton, 1924).

El Surrealismo creia en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmo un mundo absurdo, ilogico, donde la razon no puede dominar al subconsciente. Tomo del Dadaismo la importancia del azar y la rebeldia, pero rechazo su caracter negativo y destructivo. Posteriormente busco inspiracion en el inconsciente, la imaginacion, el metodo de la escritura automatica y el estudio de las teorias del psicoanalisis de Freud. Entre los autores surrealistas pueden hallarse dos vertientes: los artistas abstractos como Joan Miro, quien creaba sus pinturas a partir del automatismo, metodo en el cual las ideas y las asociaciones de imagenes surgen de manera espontanea, fluida, sin dar importancia a la coherencia y el sentido y los autores como Salvador Dali y Rene Magritte , entre otros, que creian en la figuracion naturalista y se interesaban por los suenos y el realismo magico.

Dadá y surrealismo en el cine

Contra las convenciones burguesas, la institucion del arte tradicional o el modelo de la narracion clasica impuesto por Griffith, el dada y el surrealismo irrumpieron en el cine para expresar sus ideas: rechazo de la ficcion, de la novela, promovian la espontaneidad, la provocacion, lo contradictorio, la creacion al margen de todo principio estetico y moral, la fantasia onirica, el humor desvergonzado y cruel, el erotismo, la deliberada confusion de tiempos y espacios diferentes. Sus realizadores lo utilizan para escandalizar y exterminar a la sociedad burguesa. Le otorgaban a las imagenes un valor en si mismas, recurriendo a los fundidos, acelerados, camara lenta, uniones arbitrarias entre planos y secuencias. En relacion con las vanguardias cinematograficas anteriores, estos movimientos fueron mas radicales y audaces, dice Gubern (1989):

... Delluc ha sido quien les ha abierto el camino, quien primero ha visto en el cine un vehiculo cultural, un arte receptivo de las inquietudes mas vivas. Cumplida su etapa, la nueva promocion de'terroristas del arte' se apoderara de aquel lenguaje recien descubierto para dinamitar a la civilizacion burguesa que ha llevado al mundo al conflicto belico (Gubern, 1989).

Viking Eggelin, uno de los fundadores del dadaismo, incursiono en el cine con Diagonal Symphonie (1924): sobre fondo negro, unas formas geometricas aparecen y desaparecen ritmicamente, siguiendo el trazado de diagonales imaginarias. Le siguieron autores como Hans Richter, pintor dada, con su serie de cortometrajes abstractos Rythmus 21, 23, 25 (1921, 1923, 1925), basados en figuras geometricas en movimiento que representan abstracciones a traves de formas simples, dispuestas siguiendo un cierto ritmo, y su Film Study (Filmstudie, 1925) que consiste en un juego cautivador y complejo de luz, movimiento, caras, eclipses que se convierten en ojos que se enrollan, etc. En Entreacto (Rene Clair, 1924) se rompe la construccion narrativa convencional del modo de representacion clasico. Asi, las secuencias se van sucediendo sin aparente vinculacion. El film fue encargado a Rene Clair para ser proyectado en el entreacto de los ballets suecos, Relache. Francis Picabia, pintor y poeta dadaista escribio el guion y Erik Satie la musica, una partitura que permite una compenetracion total entre el ritmo sonoro y el visual. No hay historia sino sucesivos fragmentos inconexos unidos entre si por el leitmotiv de la imagen de una bailarina. El film esta plagado de superposiciones, fundidos, cambios de perspectiva y encuadres incoherentes, y termina con una serie de alocadas imagenes de una carroza funebre, su ataud y sus acompanantes por carreteras, campos, parques de atracciones, cruzandose con barcos, aviones, coches, bicicletas... mientras se aceleran el ritmo musical y visual. En el film aparecen como actores Man Ray y Duchamp jugando al ajedrez y Picabia y Satie llevando un canon. En L' etoile de mer (1928), Man Ray deconstruye tambien la representacion filmica. A partir de un poema de Robert Desnos construye este film en el cual las imagenes estan absolutamente desenfocadas, y los fragmentos se enlazan de manera asociativa, sin seguir la logica de una narracion y sin explicacion alguna. La musica tambien se compone como un collage con fragmentos de piezas musicales como El Danubio Azul, O sole mio, y Un Aria de Bach.
El surrealismo intento sistematizar el caos dada para proponer un orden alternativo a las convenciones burguesas. El azar, el humor, el erotismo, lo onirico, las imagenes insolitas y la logica del inconsciente fueron los instrumento de esa trasgresion. Los surrealistas postularon un cine que destruyera el cine como institucion simbolica y social a partir de no realizar films regidos por las reglas establecidas por el modelo imperante (MRI). Germain Dullac, escritora y militante feminista es la autora del que se considera el primer film surrealista: La caracola y el clérigo (1927), sobre un texto de Antonin Artaud, acerca de un clerigo obsesionado por una bella mujer, que tiene extranas visiones de muerte y lujuria. El film esta repleto de simbolos psicoanaliticos, como la representacion de imagenes similares a las del sueno. El cine surrealista encontro en Luis Bunel su representante mas destacado. En 1929 junto con Salvador Dali escribe y dirige Un perro andaluz, con un guion de caracter onirico. El film inicia con una imagen plena de agresividad, en concordancia con los postulados del movimiento: en primer plano una navaja secciona el ojo de una mujer, a partir de lo cual se desencadenan un tendal de imagenes absurdas, oniricas, producto del automatismo puro y sin intencion de explicacion simbolica alguna, aunque en algunas de ellas puede atisbarse algun indicio de significacion como en la del amante que busca aproximarse a su objeto de deseo y debe arrastrar una pesada carga: dos pianos de cola con dos cadaveres de asnos atados a dos seminaristas.
En su siguiente film: La edad de Oro (1930) Bunuel ataca el orden establecido, relata la historia de amor de dos amantes que se niegan a que su amor pasional y sujeto solo a sus propias normas, tenga que ser extinguido debido a los prejuicios y preceptos morales y sociales tradicionales. El film es una suerte de metafora del propio grupo surrealista, y su postulado de vivir a su manera sin atender a las normas morales y de conducta que les son impuestas. Las ideas principales son el amor y el deseo y, por otra parte, los intentos de estos dos amantes de volver a la edad de oro, de acabar con la sociedad burguesa asentada sobre los pilares tradicionales de la jerarquia social y el clero que impide al individuo ser el mismo. El film comienza con imagenes de un documental sobre los escorpiones y su modo de vida, y sigue con una serie de imagenes absurdas, desagradables, alegres, impactantes y a veces irritantes, como las de los esqueletos con vestimentas de obispos, o las de los objetos absurdos arrojados por una ventana: un arzobispo, una jirafa, un pino en llamas, etc. Bunuel dejara para el final una de las imagenes mas controvertidas: la identificacion de Sade con la imagen clasica de Cristo con barba y tunica. Collage, absurdo, asociaciones arriesgadas, superposicion de imagenes, humor, insectos, violencia, sexo, fetichismo, ridiculo, son todos elementos caracteristicos de una obra surrealista.

El videoarte, características y artistas representativos

Surgido en la decada de 1960, el videoarte, considerado como la utilizacion del video como medio artistico, nace cuando un grupo de artistas ligados a los movimientos de vanguardia comienza a valerse de la imagen electronica para expresar sus intereses artisticos. Rodrigo Alonso se refiere al origen del video arte de la siguiente manera:

Cuando los artistas empezaron a usar el video, su posicion dentro del mundo del arte era claramente ambigua. Cualquier produccion realizada por un artista con una videocamara era considerada una pieza dentro de la nueva categoria "video de artista". No importaba si era la documentacion de una performance, una vision lirica de la realidad o el resultado de la manipulacion tecnica de imagenes; la presencia de un artista tras la camara era suficiente para que fuera video arte. Durante los 80, el video arte quedo nitidamente definido como investigacion experimental con la imagen electronica. Esta tendencia experimental se separo de otros usos del video y construyo su propio circuito de exposiciones y festivales (Alonso, 2005).

Se considera el punto de partida de este nuevo movimiento a la obra de 1963 que expone en Alemania Nam June Paik, Exposition of Musik / Electronic Television, su primera pieza con monitores de television, donde presenta trece televisores con imagenes distorsionadas, a las cuales agrega fragmentos de television pregrabados; en ese mismo ano, Wolf Vostell, realiza un evento en Nueva York en el cual entierra un televisor encendido atado con alambres de pua. A partir de estas muestras empiezan a sentarse las bases del video arte, que puede definirse en primer lugar como una experimentacion con la imagen electronica y que intentara diferenciarse del cine y la television en busca de un nuevo lenguaje de expresion artistica, por eso en mas de una oportunidad en las obras de los video artistas apareceran televisores destruidos, enterrados, cubiertos con algun material, etc. Los video artistas inquirieron desde los inicios hacer del videoarte un instrumento indagatorio, experimental, se plantearon revisar y reinventar los lenguajes, de ahi que las primeras obras hicieran foco en criticar a la television, por ende a los medios masivos. Caracteristicas del video arte como la renuncia de narratividad, la ausencia de personajes y de actores tal como se acostumbra a usar en el cine y la TV, muestran su clara intencion de diferenciarse de estos medios, asi como tambien su negacion de generar imagenes que sean fieles imitaciones de la realidad. Los video aristas trabajaron con la plasticidad de la imagen electronica, valiendose de recursos tecnicos, narrativos, esteticos, conceptuales, experimentando con el uso de la luz, el color y las posibilidades expresivas del montaje, los acelerados, los ralentis, la yuxtaposicion de imagenes, sobreimpresion de textos, montaje dentro de la toma, etc. Toda una serie de materiales formaron parte de sus obras: textos, fotografias, fragmentos de peliculas, de programas televisivos, publicidades, efectos sonoros, musica y senalizaciones. La confrontacion entre texto e imagen, y el manejo del ritmo son tambien caracteristicas del video arte, se busca generar un cambio en la percepcion del espectador, que sea diferente a la que experimenta habitualmente frente a la narrativa filmica o televisiva. Los video artistas no se agruparon en escuelas, provenian de diversos campos artisticos: plastica, arte conceptual, literatura, teatro, performance, musica, fotografia, etc. por eso el video arte es considerado un arte multimedia
El registro de expresiones artisticas como actuaciones, happenings y performances fue tambien muy comun en las primeras producciones de los video artistas, asi como la realizacion de video instalaciones en las cuales a partir del uso de monitores, pantallas y otras superficies de proyeccion exhiben la obra en el espacio tridimensional de la sala de exposicion, modificando de esta forma la percepcion del espectador acostumbrado a ver las imagenes frente a un televisor o una pantalla. Busca una implicacion no contemplativa por parte del espectador. Con el tiempo el video arte dejo de ser considerado un arte alternativo y paso a ser parte del ambito museistico y del circuito comercial del arte.

Fluxus

El grupo Fluxus fue uno de los movimientos mas destacados dentro del video arte, tambien incursiono en la musica y la literatura. Se destaco entre 1960 y 1970, y se opuso al objeto artistico como mercancia, lo cual fue expresado a traves de un manifiesto, y se proclamo a si mismo como el antiarte. Fluxus fue organizado en 1962 por George Maciunas quien expresaba lo siguiente: "Fluxus-arte-diversion debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar tecnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningun tipo de valor comercial o institucional" (http://artecontempo.blogspot.com.ar). Tuvo lugar fundamentalmente en Norteamerica y Europa y planteo la idea de un arte conformado por multiples disciplinas, adoptando para sus creaciones medios y materiales procedentes de diferentes campos. Su intencion fue utilizar el lenguaje como un medio para la renovacion del arte, entendido como "arte total" y generar un impacto en el publico a partir de sus diferentes obras. Como los dadaistas, Fluxus se planteaba como un modo de vida, postulando la libertad de pensamiento de eleccion y expresion, cada individuo constituia una obra de arte en si mismo. Contrario a Duchamp no buscaron introducir el arte en lo cotidiano si no fusionarlo, arte y vida eran una sola cosa. En Fluxus las distintas manifestaciones artisticas se integraban, la performance, el video, la musica, etc. Fluxus era una manera de entender la creatividad artistica radical e innovadora que solo con el transcurso del tiempo podria ser comprendida. La idea de vanguardia implicaba para estos artistas la pretension de hacer un arte multidisciplinario, que no se encasillara dentro de ninguna definicion especifica. En torno a Fluxus se desarrollo la trayectoria de autores como Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik o John Cage.

Nam June Paik

Considerado junto a Wolf Vostell el padre del video arte. En 1965 realiza la instalacion La luna es la televisión más antigua: 12 televisores en silencio muestran en cada pantalla una fase lunar distinta realizada mediante manipulaciones del tubo de rayos catodicos con un iman. Ese mismo ano Paik realiza un video dentro de un taxi inmovilizado para filmar el embotellamiento generado por el paso de la caravana de vehiculos ante la visita de Juan Pablo VI a la catedral de San Patricio en Nueva York. La "pelicula" se mostro esa misma noche en una exposicion (Electronic Video Recorder) en el Cafe a Go Go. En sus exposiciones, Paik mezclo "escenografias" con artefactos, televisores y videos; instalaciones basadas en el rayo laser y manipulaciones diversas de imagenes. Buscaba conectar los adelantos cientificos con el arte. Entre sus obras destacan Zen For Film (1962/64) un video de 8 minutos que muestra una pantalla en blanco y sin sonido, Beatles Electronique (1966-69) fragmentos de distintas peliculas de los Beatles mezcladas con sus canciones mas populares y Buddha TV (1974), compuesta por una escultura de Buda colocada frente a un televisor y una camara que lo graba en circuito cerrado. En todas sus creaciones trabajo sobre la apropiacion, el happening y el concepto. La ironia y la provocacion, fueron los dos factores protagonistas en sus videoesculturas. Cuestiono la television como mueble y la pasividad del televidente.

Wolf Vostell

Sus obras incluyen variedad de materiales y tecnicas expresivas: happenings, acciones, television, collages, fotomontaje, pintura, escultura. Pretendia provocar al espectador, generar un choque en el. Su obra buscaba romper los limites entre arte y vida, ya que consideraba que eran una misma cosa, asi el arte debia servir como medio para entender la vida. Se intereso por la TV como objeto, y la incluyo como un material mas en varias de sus obras, en busca de generar una confrontacion para que el espectador tome conciencia de las caracteristicas negativas de este medio. En1963 realiza el film Sun in your Head, compuesto por imagenes televisivas deformadas con interferencias, ruidos, desajustes cromaticos, que en un segundo momento eran transferidas sobre material cinematografico. De 1963 son los 6 Tv Dé-coll/age, obra compuesta por seis televisores, manipulados con objetos y con transmisiones de programas institucionales. Su programacion era manipulada; la recepcion, alterada; algunos monitores pintados y otros cortados por la mitad.

Bill Viola

En sus obras puede verse un interes por la percepcion, el funcionamiento de la memoria, y las culturas no occidentales. En He Weeps for You (1976), basada en un poema de Mahmud Shabistari, se ve el reflejo del espectador en una gota de agua que se proyecta en circuito cerrado frente a el. A fines de los 70 comienza a indagar en la relacion del ser humano con lo que lo rodea. En Slowly Turning Narrative (1992) se ve una gran pantalla que rota y que muestra, a un lado, la cara de un hombre en blanco y negro y, en otro, una serie de imagenes en color de recuerdos de la infancia, accidentes, operaciones medicas, etc. Uno de los lados de la pantalla es un espejo en el que se refleja la imagen del espectador, asi como las imagenes proyectadas que se ven en la pared de la habitacion y que se mueven en funcion de la rotacion de la pantalla. Mientras, se escucha una voz recitando de forma repetitiva. Las imagenes oniricas y de durmientes seran tambien una constante en sus videos. En Threshold (1992), una linea de teletexto luminosa conectada a una agencia de noticias que transmite los hechos mas recientes atraviesa una puerta que da a una habitacion oscura donde las imagenes de personas durmiendo se proyectan sobre toda la pared de la sala, mientras pueden oirse sus respiraciones pausadas. En la decada del 90 influenciado por sucesos de su vida familiar se centrara en su idea de una continuidad entre la vida y la muerte, en The Nantes Tryptic (1992) tres pantallas proyectan las imagenes del nacimiento (izquierda), la muerte (derecha) y de un hombre suspendido en agua en la pantalla central, que representa su idea de la existencia de un estado suspendido entre la vida y la muerte; la tercera pieza, en Heaven and Earth (1992) presenta dos monitores enfrentados, uno transmite la imagen del hijo recien nacido, el otro la agonia de la madre. En tanto imagenes luminosas, cada una se proyecta en la otra.

Videoarte en tiempo real

Hacia 1970 varios proyectos artisticos comienzan a explorar el video en tiempo real, es decir ver en el monitor lo que la camara esta grabando en el momento. En Wipe Cycle (1969), de Ira Schneider y Frank Gillette, una pared de nueve monitores mezclaba transmisiones directas de la television local con las imagenes que la camara grababa en la propia galeria. La obra buscaba evidenciar la manipulacion de imagenes al mostrar la sutil diferencia entre el tiempo real y el evento pregrabado y editado en la television. En Three Transitions, (1973) por Peter Campus, vemos al artista destripando y atravesando su propio cuerpo, efecto obtenido por la superposicion de las imagenes de dos camaras. En Sky TV (1966), de Yoko Ono, una camara de video fuera de la galeria enfoca al cielo; y las imagenes se proyectaban en un monitor de television situado en el interior de la galeria en tiempo real. Utilizaba asi el medio televisivo para mostrar lo cotidiano. Channel Mix (1972), de Keith Sonnier, es un ejemplo de video instalacion que incorpora la grabacion y la reproduccion inmediata de imagenes. En la obra se yuxtaponen las imagenes del publico que recorre la galeria con las de transmisiones televisivas. Las tomas, en tiempo real, son proyectadas en dos grandes paredes opuestas de este espacio. Las imagenes retroceden, avanzan y niegan la sintaxis narrativa tradicional. Este tipo de indagaciones en las posibilidades materiales y expresivas del video traeria la proliferacion de nuevas expresiones que comienzan a interesarse por la interaccion con otras formas practicas preexistentes tales como la escultura y la instalacion.

Video performance

El video arte fue tambien un recurso utilizado por muchos artistas que a traves de las performances buscaban provocar nuevas experiencias en los espectadores para abolir asi las barreras arte-vida y creador-receptor, el video fue utilizado en un principio en estas representaciones como mero registro y con el tiempo fue incluido como parte de las perfomances. Jochen Gerz, registro en video su accion "Gritar hasta el agotamiento", (que realizo sin la presencia de publico) durante la cual grito con todas sus fuerzas desde sesenta metros de distancia, hasta que su voz enronquecio y se hizo inaudible . Ulrike Rosenbach en No pensarás que soy una amazona (1975), muestra como la realidad de una accion puede diferir de su trasmision a traves de la camara; en esta performance filmada en directo, la artista dispara quince flechas a una reproduccion de la obra La virgen y el nino. En una pantalla se superponen imagenes procedentes de dos camaras distintas, con lo cual se ve como las flechas traspasan no solo el rostro de la virgen, sino tambien el de la artista. A fines del siglo XX el video arte ha sido reconocido como movimiento artistico con autonomia propia, sin ser encasillado dentro de ninguna otra manifestacion artistica existente. Los museos y el circuito comercial del arte incluyen en sus exposiciones video esculturas y video instalaciones elaboradas con camaras, monitores y otros equipos, y grabaciones de video con caracteristicas experimentales que indagan en las posibilidades plasticas de la imagen. La innovacion tecnologica hizo posible su desarrollo y consolidacion, y la digitalizacion permitira a principios del nuevo siglo mayores posibilidades de experimentacion y expresividad.

Conclusiones

Las denominadas vanguardias historicas como el impresionismo, el expresionismo, el futurismo, el surrealismo y el dadaismo, influyeron de manera decisiva en el surgimiento de los cines vanguardistas de la decada del veinte y sirvieron de inspiracion para los artistas que a partir de los anos sesenta comenzaron a incursionar en el video arte. Ambas manifestaciones tomaron algunos de los postulados de las vanguardias adaptandolos a sus propios intereses.

Puntos en común entre el video arte y las vanguardias cinematográficas

A partir de lo desarrollado pueden apreciarse una serie de principios de las denominadas vanguardias artisticas historicas que permiten establecer relaciones entre el cine de vanguardia de la decada del 20 y las tendencias video artisticas surgidas en los anos 60. La idea de un arte mas cercano a la gente, a la sociedad y de un espectador mas activo y participativo es una de las caracteristicas que ha estado presente tanto en las manifestaciones de las vanguardias historicas como en el cine de vanguardia y el video arte, asimismo pudimos ver que en todas estas corrientes se pone de manifiesto una crisis entre el arte vigente y la sociedad. La intencion de provocar, de utilizar el arte como medio para manifestar su disconformidad con las concepciones artisticas dominantes y romper con lo establecido, de desafiar los modelos y valores existentes hasta el momento y reivindicar lo nuevo, lo original, son concepciones comunes a los artitas que llevaron adelante los distintos movimientos de vanguardia en el cine entre los que se destacaron Delluc, Bunuel, Man Ray, Epstein, Gance, entre otros, asi como tambien a la mayoria de los video artistas, Paik, Vostell, Viola, etc. Los une tambien la lucha por la libertad de expresion, y la innovacion.
Dentro del cine vanguardista podemos distinguir dos corrientes (Bonet, 1994): las vanguardias artísticas y el cine de vanguardia como género en si mismo. Dentro del primer grupo se encuentran el cine futurista, dada y surrealista que buscaba a partir de la experimentacion plastica resolver cuestiones formales de tiempo, movimiento, ritmo, etc. rompiendo con la tradicion narrativa cinematografica convencional, mientras que las vanguardias como género conformadas por el impresionismo y el expresionismo buscaban nuevos recursos expresivos mas alla de las convenciones del lenguaje cinematografico establecidas por los pioneros del cine como Porter, Griffith, etc., pero manteniendose en el orden de lo narrativo/representativo. A partir de esta idea, podemos ver que los video artistas han tenido algunos elementos en comun con las vanguardias cinematograficas de genero, pero sus caracteristicas narrativas/ representativas y muchos de sus postulados son mas coincidentes con las manifestaciones del surrealismo, el futurismo y el dadaismo.

Video arte y vanguardias de género

Como vimos anteriormente, muchos de los recursos utilizados por el cine impresionista para generar climas en sus films y aportarle subjetividad a la imagen, fueron retomados posteriormente por los video aristas que trabajaron con la plasticidad de la imagen electronica, valiendose de recursos tecnicos, narrativos, esteticos, conceptuales, experimentando con el uso de la luz, el color y las posibilidades expresivas del montaje, etc., recursos de los que se valieron los impresionistas para poner en evidencia la funcion mediatizadora de la camara y su idea de que la percepcion de la imagen filmada difiere del objeto real. Esta idea estuvo presente tambien en las obras de muchos video artistas, como ejemplo podemos citar la ya mencionada performance de Ulrike Rosenbach No pensarás que soy una amazona (1975), que mostraba como una accion filmada en vivo puede diferir de su proyeccion en la pantalla. En cuanto a las afinidades con el expresionismo, vimos como en este cine estaba presente la idea de la existencia de un individuo inmerso en una sociedad que genera alineacion y aislamiento, y de que hay algo mas alla de lo que muestran las imagenes. En el caso del video arte, artistas como Paik, Vostell y Viola, buscaron a traves de sus obras plantear cuestiones referidas a la alienacion de los individuos inmersos en una sociedad dominada por el consumo, en la cual el discurso televisivo colabora a la alineacion de los mismos, por eso sus obras manipulan muchas veces las imagenes televisivas o incluyen televisores destruidos, atados con alambre, etc.

Video arte y vanguardias artísticas

Las afinidades con el cine futurista, surrealista y dada van mas alla de los recursos tecnicos y expresivos y de las ideas subyacentes a las imagenes. El video arte comparte con estos la consideracion de que no debe haber una separacion entre arte vida, y la idea de un espiritu creador libre, sin ataduras a las reglas artisticas convencionales. Como mencionamos en nuestro desarrollo el Dadaismo se presentaba como una forma de vivir y un rechazo absoluto de toda tradicion o esquema anterior. Para los dadaistas el arte no deberia ser una institucion sino un acto creador libre, y postularon ante todo la libertad individual, la espontaneidad, lo fortuito y contradictorio, y al igual que el grupo Fluxus se presentaron como el anti arte y postularon al abolicion de las fronteras entre el arte y la vida. La inclusion en sus films de imagenes absurdas, la provocacion, la ruptura con la construccion narrativa clasica, la sucesion de imagenes sin aparente vinculacion, dejando el argumento librado a la interpretacion y la reconstruccion por parte del espectador, (Entre acto, Ballet Mecánico, etc.), la presencia de imagenes oniricas (Un perro andaluz, La edad de oro) son elementos que en la decada del 60 fueron incorporados por los video artistas en sus composiciones: la provocacion y la ironia fueron una constante en las obras de Paik (Buddha Tv, Zen for film), la presencia de lo onirico en las obras de Viola (Threshold) asi como la idea de generar un shock en el espectador preocupacion constante en ambos artistas, asi como en Vostell, por citar solo algunos ejemplos.
La existencia de manifiestos como en el caso de Fluxus, y las manifestaciones por escrito de las ideas de los artistas, ligan tambien al video arte con las vanguardias cinematograficas artisticas y permiten ver las ideas que los unian: ruptura con los canones establecidos, innovacion, libertad de expresion, azahar en la realizacion, idea de un arte no comercial, no ligado a convenciones ni a ideas preestablecidas, fusion entre arte y vida, provocacion, idea de un espectador activo, participativo, etc. Mientras que Bunuel rompio con las reglas formales y narrativas establecidas por el cine hollywoodense, provocando al publico con sus imagenes violentas, absurdas, y muchas veces anti catolicas, los video artistas actuaron de forma similar en sus producciones negando tambien todo atisbo de narratividad en ellas, valiendose del montaje rapido y al superposicion y yuxtaposicion de imagenes provenientes de diversos medios: avisos publicitarios, fragmentos de peliculas, fotos, textos, etc. y escandalizaron con sus entierros y destruccion de televisores como lo hicieron Paik y Vostell. En el caso de las vanguardias surrealistas y dadaistas y del video arte la ruptura con los canones artisticos establecidos fue casi total y la provocacion una constante en sus obras, asi como la idea de generar un choque en el espectador, obligandolo a abandonar su pasividad contemplativa. En cambio en el caso del impresionismo y el expresionismo la preocupacion de los artitas se enfoco mas en la innovacion plastica y en la forma de contar las historias y en la eleccion de los temas que estas contaban (historias sencillas, cercanas a la gente comun en el primer caso, historias de personajes perturbados, retorcidos , o cercanas a la ciencia ficcion en el segundo), en ambas corrientes el argumento de la historia puede verse claramente en los films , mientras que en los dada y surrealistas el argumento queda muchas veces librado a la interpretacion de espectadores criticos y ensayistas, y es en este sentido que podemos establecer mayores similitudes con las obras de los video artistas, en las cuales la mayoria de las veces como vimos la ruptura con la narrativa tradicional es una constante, asi como la ausencia de una historia e incluso en muchos casos de personajes. Los movimientos de vanguardia cinematografica tuvieron una exigua duracion en el tiempo, y sus autores en algunos casos terminaron haciendo un cine mas ligado a lo comercial (Bunuel, Gance, Fritz Lang, etc. ) aunque siempre manteniendo una suerte de huella autoral en sus producciones. Muchos de los aportes de estos artistas se incorporaron con el tiempo a la narrativa clasica del cine comercial como el uso del flash back, las imagenes oniricas, los desenfocados, los diferentes tipos de montaje, etc. y fueron internalizadas por el espectador sin sobresaltos.
Como hemos visto, en un principio las obras de los video artistas no fueron reconocidas por el mercado del arte, pero hacia los anos 70 comenzo un proceso de legitimacion. Al igual que sucedio con otras tendencias del antiarte, las obras terminaron formando parte del circuito institucional y el video arte fue reconocido como una entidad artistica y hoy forma parte de las colecciones habituales de las galerias y museos, a traves de variantes que combinaban lo escultorico con el video, y las video instalaciones. En alguna medida al igual que paso con el cine de vanguardia, muchas de las producciones terminaron siendo asimiladas por el mercado comercial del arte, gracias al reconocimiento de la critica y de los museos, y asi el planteo de critica social que caracterizo en sus inicios al video arte en muchos casos se fue moderando y las obras terminaron adaptandose a los circuitos de exhibicion tradicionales.

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